För en film om Adam Driver som slåss mot dinosaurier kom 65 säkerligen och gick utan mycket fanfar. Den futuristiska överlevnadsfilmen – ett samarbete mellan A Quiet Place-författarna Scott Beck och Bryan Woods – gled tyst in på bio i mars och överskuggades omedelbart av Oscars-bevakningen.
Men med filmen som nu streamas på Netflix kommer nya publik snabbt att få reda på vad de få teaterbesökare redan visste: 65 har en unik värld som sömlöst blandar analog och digital teknik.
Det här är en film som alla franchiseregissörer borde studera: Det är en guide med en tydlig vision om att skapa en levande värld direkt ur klassisk science fiction, men med alla fördelarna med modern teknik. Till skillnad från så många av sina jämnåriga, hämtar 65 inspiration lika mycket från alla perioder av Hollywood science fiction, och dess skildring av teknik bör bli guldstandarden för produktionsdesigners från och med nu.
Under det senaste århundradet har vår framtidsvision varit ett rörligt mål definierat av framsteg inom praktiska och digitala effekter. Allt i Star Treks Kelvin-universumsfilmer motsäger retrofuturismen i Star Trek och Star Trek: The Next Generation. På liknande sätt drar produktionsdesignen av Star Wars-prequels full nytta av greenscreen-tekniken för att lägga till nya karaktärer och platser i en befintlig, praktiskt byggd galax, vilket skapar en visuell koppling som moderna Star Wars-program som The Mandalorian och Andor fortfarande arbetar för att slå samman .
Foto: Patti Perret/Sony Pictures Entertainment
Den kanske mest uppenbara dikotomien är mellan 1979 års Alien och 2012 års semi-prequel Prometheus, särskilt med tanke på Ridley Scotts roll som regissör för båda. Även om den sistnämnda är tänkt att utspela sig nästan 30 år före Scotts nyskapande sci-fi-skräckfilm, är anakronismerna som skapats av 40 år av VFX-förbättringar mindre underhållande.
Så i en tid präglad av IP, hur återvänder filmskapare till gamla franchiseavtal samtidigt som de hedrar designgenombrotten för filmer som släpptes för decennier sedan? För många kreatörer är svaret retrofuturism – ett designramverk som utökar omfattningen av futurism på skärmen genom att återta designprinciper från misslyckade visioner om morgondagen.
Till skillnad från konventionell futurism, som gissar på framtida teknik baserat på nuvarande trender, hämtar retrofuturism inspiration från historiska prognoser av framtiden, särskilt från den amerikanska atomåldern. Om du gjorde en modern film i stil med film från Atomic-eran – att återta 1950-talets science fiction som Forbidden Planet eller This Island Earth – skulle de resulterande analoga teknologierna vara retrofuturistiska designprinciper som fungerar.
I händerna på ett talangfullt produktionsteam kan retrofuturism användas för att ge filmer en inlevd känsla, som visar att framtiden, på gott och ont, är en återspegling av moderna samhällsutmaningar, snarare än en evolution. Internets utgjutande av kärlek till Pedro Pascal förde ny publik till Prospect, Zeek Earl och Chris Caldwells film som utspelar sig i en arbetarskildring av mänsklighetens framtid. Duncan Jones’ Moon blandar det bästa från 1970-talets science fiction-design med specialeffekter från 2000-talet.
Moon Foto: Sony Pictures Classics
Och medan modern retrofuturism ofta används för att kommentera det misslyckade löftet om efterkrigsoptimism i Amerika – det finns inga flygande bilar i retrofuturistiska samhällen och inga robotbutlers – finns det fortfarande filmer som utnyttjar rymdkapplöpningens gränslösa potential. Arati Kadavs Cargo och Jack Plotnicks rymdstation 76 påminner oss om att sätta vårt hopp till människor istället för teknik, och de finner värme där andra science fiction-historier inte gör det.
Men genom att omfamna vårt förflutna förstärker dessa filmer också den inneboende splittringen i Hollywoodfuturismen. Filmskapare kan se till vårt förflutna eller föreställa sig en mer avancerad morgondag, men filmer som försöker göra båda – med produktionsestetik som letar efter det bästa i både analoga och digitala framtidsvisioner – är få och långt emellan. Det är det som gör 65 till ett så fascinerande exempel på världsbyggande på skärmen.
65 ligger 65 miljoner år i jordens förflutna och skapar ett utrymme som är unikt bland dess jämnåriga. 65 huvudpersonen Mills (Adam Driver), den interstellära motsvarigheten till en långdistanslastbilschaufför, lever i ett samhälle som inte liknar vårt eget. I filmens inledande minuter erkänner han att han bara tar det här leveransjobbet för lite välbehövlig hjälp med sin dotters medicinska räkningar.
Men i ett manus med så lite dialog och bakgrundshistoria är sättet tekniken presenteras på viktigare än det annars skulle vara. Designen av Mills skepp och dess utrustning måste kännas avancerad nog för att representera en interstellär civilisation, men retrograd nog för en ekonomi där överkomlig hälsovård fortfarande är science fiction.
Bild: Universal Pictures Home Entertainment
Det betyder att det finns genuina narrativa skäl för 65-talets teknologi att blanda futurism och retrofuturism i lika mått. Det borde inte komma som någon överraskning att veta att produktionsdesignern Kevin Ishioka har en stark bakgrund inom science fiction. Som art director för filmer som Oblivion, James Camerons Avatar och The Chronicles of Riddick, har Ishioka hjälpt till att föreställa sig framtider på skärmen som sträcker sig från elegant till tråkig. År 65 designar hans team verktyg och utrustning som blandar det välbekanta och det okända.
Dessa små detaljer kan hittas överallt. När Mills spelar in ett nödmeddelande kombinerar filmen en digital pekskärm med boxiga knappar och ett munstycke i telefonstorlek. Den resulterande instrumentbrädan känns både futuristisk och otroligt taktil. Förarens prestanda innehåller den analoga rörelse vi kan förvänta oss från en 70- eller 80-talsfilm – en skådespelare som manipulerar en fysisk rekvisita – och kombinerar den med en digital pekskärm och voice-over från fartygets artificiella intelligens. Denna blandning av gårdagen och morgondagen ger 65 en överraskande tidlös kvalitet.
Det bästa exemplet är den bärbara skannern Mills använder för att kartlägga sin väg över dalen. I form och storlek känns skannern som en flykting från ett tidigt avsnitt av Star Trek. I en sekvens måste Mills välja mellan att hålla i sitt vapen och skannern; han kan inte jonglera med båda. Men när enheten väl är påslagen blir utrustningen helt och hållet sin egen grej. Den har en fysisk skärm — den är synligt strimmig med smuts första gången Mills slår på den — men den har också en holografisk visning och komplex 3D-miljöåtergivning. Det senare är särskilt fantasifullt. En av filmens bästa strider mellan människor och dinosaurier sker nästan uteslutande som en digital projektion när Mills enhet klapprar över ett grottgolv.
Bild: Patti Perret/Sony Pictures Entertainment
Slutligen finns det produktionselement som inte tillhör någon som helst period av science fiction. Medan duken på Mills diaprojektor väcker minnen från lågbudget 80-talshackerfilmer med dess pixelerade visuella gränssnitt, speglar själva enheten modellen av karusellbildprojektorer som en gång fanns i alla klassrum i landet. Glasmontern i matsalen – hem till den klottrade kommunikationen mellan Mills och hans olycksfallsavdelning Koa (Ariana Greenblatt) om deras resa till bergen – frammanar automaterna som en gång var synonymt med 1900-talets New York City. Dessa designval projicerar en vag känsla av anakronism som bara förstärker det unika med filmen.
Oavsett om 65 kommer ihåg som en tyst klassiker eller bara en annan streamingprogrammerare, är det anmärkningsvärt vad den gör med tekniken. Filmen överbryggar effektivt klyftan mellan dåtid och nutid och säkerställer att framtida publik kommer att känna igen en version av sin värld i filmen. Eftersom det för närvarande inte är uppställt för en uppföljare eller prequel någon gång snart, hoppas jag att Hollywood ser bortom biljettkassan och lär sig de rätta lärdomarna från produktionsteamet. 65 är ritningen för hur man håller science fiction levande och levande, även i den snabbt föränderliga världen av specialeffekter.
65 strömmar på Netflix nu och är även tillgänglig för uthyrning eller köp på Amazon, Vudu och andra digitala plattformar.