Inklusive den där Captain America är en varulv
Marvel Comics byggdes på långa berättelser. Det har varit så långt sedan början, när universum byggdes, fråga efter fråga, runt Stan Lee och Jack Kirbys 102 delar av Fantastic Four. Det banade vägen för ett universum som kändes som en sammanhängande helhet och uppmuntrade en läsekrets som följde skaparna lika mycket som karaktärer för första gången i superhjälte-serier. Marvels pågående, sammanflätade tvåloperativa sagor skiljer den från sin utmärkta konkurrens, som antagligen byggdes mer kring individuella berättelser.
Och vad med sagorna själva? Blandat med klassiker som Chris Claremonts 17 år på X-Men, eller moderna körningar som Dan Slott som spenderar ett decennium på Spider-Man, det finns många långa lopp som inte får den kredit de förtjänar. Oavsett om de överskuggas av mer kända körningar med samma titel, förbises för att de är gammaldags eller förlorade i tid och dollarlådorna eftersom de aldrig kan tryckas igen, är de fortfarande pelare som universum är byggt på.
Vad är en lång sikt?
Tja, det är en ganska godtycklig definition som jag har satt samman som bara verkligen gäller amerikanska superhjälte-serier. Om du tittar på manga, där Eichiro Oda har utslagen nästan tusen kapitel i One Piece, är skalan på det som räknas som “long” en helt annan sak.
Men hos Marvel eller DC, där omsättningen vanligtvis är mycket högre, är det förmodligen rättvist att definiera det som något som går åt minst 40 frågor, ge eller ta en inloggning här och där, med minst en medlem av kreativt team som håller på med boken hela tiden – vanligtvis författaren. Det här är inte avsett att minimera konstnärernas betydelse i en series berättelse! Det är bara så att det är mycket lättare att skriva 40 nummer av en komiker än att göra dem, så författaren är vanligtvis den som håller sig fast under hela tiden.
Om du är överväldigad av listor med kortare serier att läsa och bara vill sätta dig ner med ett episkt garn, är här sex Marvel-långa körningar att dyka in i.
Mark Gruenwalds Captain America
Bild: Mike Zeck, Klaus Janson / Marvel Comics
Captain America # 307 – 443, juli 1985 – september 1995
Anmärkningsvärda medarbetare: Paul Neary, Kieron Dwyer, Mark Bright
På något annat företag och i någon annan tid skulle Mark Gruenwalds tioåriga körning som författaren till Captain America framträda som den anmärkningsvärda prestationen som den är. Tyvärr har det i ett decennium fullt av lysande körningar alltid överskuggas av dess mer banbrytande samtida. Idag verkar det som om det mesta kommer ihåg, och inte så förtjusande, för saker som berättelsen där Cap blir en varulv under en het minut, eller frågorna där han bär sin dräkt av besvärliga stridsrustning.
Men här är saken: det här reglerar faktiskt. Det är ingen tvekan om att Gruenwald och konstnären Rik Levins var 100% med på skämt från Capwolf – Cap håller vid ett tillfälle ett av sina stora tal för att samla ett gäng varulvar, men för att han är en halv border collie då, kommer främst ut som brummande och ordet “frihet”, vilket är lustigt. Och de problem med Cap’s 90-talets stridsrustning? Det markerar slutet på Gruenwalds körning där Cap möter sin egen dödlighet, har ett hjärta till hjärta med Batroc Leaper eftersom Batroc märker att hans gamla sparringpartner är deprimerad och hävdar att hans epitaf bör vara ”Han gjorde inte nog. ”
Hela körningen är full av sådana saker, där en bedrägligt övertygande premiss gömmer något djupare och mer givande. Det är den löpning som pit Captain America mot supervillains som organiserade sig i ett företag och gav den röda skallen sin egen privata armé i form av Crossbones och Skeleton Crew. Det är springan där Steve Rogers tvingades ut ur sin identitet, och där vi såg John Walks nedbrytning, uppmanad av en scen som är chockerande våldsam av både 1988-standarder och dagens. Det är ett rent superhjälteäventyr som aldrig riktigt förlorat det som gjorde det bra på sin topp. Diamondback är också Caps bästa kärleksintresse på en promenad. Don @ @ mig.
Ann Nocenti’s Daredevil
Bild: John Romita Jr., Al Williamson / Marvel Comics
Daredevil # 236 – 291, november 1986 – april 1991
Anmärkningsvärda medarbetare: John Romita Jr., Barry Windsor-Smith, Kieron Dwyer
Att beskriva de bästa problemen med Ann Nocentins körning på Daredevil låter ibland som att du pratar om en dröm du hade som du inte helt kommer ihåg. Det finns den där Daredevil kämpar mot en dammsugare som är besatt av en demon (# 262), eller den där Ultron bygger ett berg av sina egna skallar och sitter ovanpå den och funderar över sin egen existens tills Daredevil kraschar in i honom med en pickup och slår honom till döds med en pinne och även inhumanerna är där (# 276). Eller, min personliga favorit, den där Bullseye klär sig ut som Daredevil så Daredevil klä upp sig som Bullseye och sedan slåss de varandra som varandra och Bullseye / Daredevil har en uppdelning eftersom han inser att Daredevil alltid slår Bullseye, så han (Bullseye) kan inte slå Daredevil, även om han är Daredevil och Daredevil är Bullseye (# 290).
Det är en vild åktur, men det är vad som är bra med det. Var och en av de frågor som beskrivs ovan är i grunden en berättelse om våld och hur det misslyckas med oss, berättat genom den typ av höjda drama som superhjältar är byggda för. Nocenti kallade en gång slåsscener “tumörer på historien”, och hennes körning behandlar dem som saker som bara händer när allt har gått sönder. Det är en historia om kontraster och hur det alltid finns en konflikt mellan dem, som förkroppsligas i Nocentis bäst ihågkommen skapelse tillsammans med John Romita Jr., Typhoid Mary.
Jag skulle gå så långt som att säga att Nocenti kör, har ett starkt krav på att vara den bästa Daredevil-tiden genom tiderna, och ja, det inkluderar de du tänker på. Även med några få starka utmanare som dyker djupt in i tragedin och psykologin bakom Matt Murdocks vigilante alter ego, finns det få som gör det med den här typen av filosofisk tankeväckande. Jag vet också att det är en av endast två superhjälthistorier där någon kämpar mot en dammsugare, och den andra är ett avsnitt av Sailor Moon.
Gene Colan och Marv Wolfmans Dracula
Bild: Gene Colan, Tom Palmer / Marvel Comics
Drakulas grav # 1 – 70 (april 1972 – augusti 1979)
Det fantastiska med Dracula är att han har varit i public domain i 120 år, vilket innebär att vem som helst kan göra sin version av karaktären. Det dåliga är att alla har det, så om du ska skapa en som är tidens prov måste du göra något speciellt.
För Marvel, den “något speciellt” lägger Gene Colan på deras version, Tomb of Dracula, ungefär fyra sekunder efter att komikerna lossnade sitt kvadratskydd på det övernaturliga i början av 70-talet och sedan kastade vampyrernas herre i en första värld full av superhjältar. Colan skulle ge Drac ett av sina bästa utseende i hela popkulturen och stanna kvar i boken under hela sin körning. Efter att han anlände till nr 7 skulle Marv Wolfman hålla fast vid de kommande 63 frågorna också, och under den tiden gav de det definitiva exemplet på hur man kan anpassa Dracula – en Draculadaptation, om du kommer – att fungera.
Det ursprungliga antagandet var att boken skulle följa en grupp CW-esque vampyrjägare som jagade efter Dracula, men Colan och Wolfman insåg snabbt problemet med det: Personen som står bredvid Dracula är sällan lika intressant som Dracula själv. Under större delen av körningen är Dracula huvudpersonen, och snarare än att hålla honom inrymd i ett skräck-tema hörn av universum, omfamnade Colan och Wolfman möjligheten. Liksom kämpar killen Silver Surfer i nr 50, och det är den näst mest Marvel Comics-saken du kan göra.
Genom allt skulle Colans påkostade pennor ge boken sin egen unika karaktär, och Wolfmans bombastiska dialog – Dracula kallar människor “vittlösa poltroons” så ofta att även doktor Doom tycker att han borde kyla – skulle göra honom en fröjd att läsa.
Bill Mantlos ROM
Bild: Marvel Comics
ROM Spaceknight # 1 – 75, december 1979 – februari 1986
Anmärkningsvärda medarbetare: Sal Buscema, Steve Ditko
Betydelsen av licensierade serier för Marvels historia kan inte riktigt överskattas. Att få Star Wars-licensen ganska mycket räddade företaget under de magra åren i slutet av 70-talet. På 80-talet fanns det dock en konsekvent, engagerande titel som var väldigt mer underhållande och sofistikerad än den hade någon rätt att vara, för en komiker baserad på en leksak för spädbarn. Och den komiken … var Larry Hamas G.I. Joe.
Åh, det fanns också ROM, där Bill Mantlo, Sal Buscema och Steve Ditko lyckades ta en leksakslinje med exakt en leksak, en skrymmande robot med glödande ögon och stora ol ‘metallvetthänder, och snurra den i sju år av rymdfarande Marvel-mytologi. Det faktum att det inte riktigt var mycket till ROM till att börja med – de faktiska annonserna för leksaken hade förslag på vad barnen kunde låtsas som han kunde göra – gav Mantlo friheten att bara skjuta honom rätt in i Marvel Universe, vilket är exakt vad han gjorde. Karaktärens bakhistoria och äventyr vävdes genom allt från X-Men-böckerna till Shang Chi, precis som om han hade skapats för serierna, eftersom allt om honom i huvudsak var.
Det ledde till bra grejer. Höjdpunkten i de första 25 numren, där ROM vapen själva Marvel Universum genom att leda Galactus till sina fienders hem, är stort. Han hade till och med Rick Jones som sidekick ett tag, vilket är det mest underbara komiker du kan göra.
Tyvärr, trots att han är bunden så mycket tillbaka på 80-talet, kan ROM inte skrivas ut (eller ens nämnas i dessa dagar), eftersom Marvel inte längre har rättigheterna till karaktären, och till och med hans gästutseende i böcker som Power Man & Iron Fist lämnas utan upptryck. Dessa rättigheter, som ägs av Hasbro, är för närvarande över på IDW, där de är i en grov position att bara ha rättigheterna till ROM, inte till något av de saker som skapades tillsammans med honom. Fortfarande finns det en viss typ av magi att gräva upp de bakåtproblemen och titta på den våldsamare sidan av 80-talets Marvel.
Mantlos karriär avbröts tragiskt när han blev offer för en hit-and-run-olycka 1992 som lämnade honom med permanent hjärnskada och behov av vård. Det finns sätt att hjälpa honom och hans familj ut ekonomiskt, men om du vill se hur begåvad han var att snurra historier från nästan ingenting, kan du göra mycket värre än att kolla vad han gjorde med ROM.
Roger Stern’s Avengers
Bild: John Buscema, Tom Palmer / Marvel Comics
Hämnare # 227 – 287, januari 1983 – januari 1988
Kända kollaboratörer: Sal Buscema, John Buscema, Al Milgrom
Det är svårt att föreställa sig efter tio år med filmer om dem, men det är bara relativt nyligen att Avengers faktiskt har varit en stor sak. De har varit där sedan början, säkert, men de var aldrig i mitten av universum på det sätt som Fantastic Four, X-Men och Spider-Man var. Under de första 40 åren av deras existens kan boken lika väl ha kallats Captain America and His Amazing Friends.
Det är kanske en överdrift, men mellan Stan Lee och Jack Kirby på 60-talet och Kurt Busiek och George Perez på 90-talet finns det en hel del tom plats där jag är säker på att saker hände men jag kan inte riktigt säga vad de var. Och det finns också Roger Stern-körningen.
Stern är förmodligen mest känd för att ha skrivit en perfekt Spider-Man-berättelse, “Ingenting kan stoppa Juggernaut,” 1982, men mittpunkten i hans femåriga körning på Avengers är utan tvekan lika bra. Det heter “Under Siege”, som körs från # 270 – 277 med konst av John Buscema, och det bygger på den enkla förutsättningen för Avengers som fångas i sitt eget huvudkontor av Masters of Evil. Det är kronjuvelen på loppet, men det är långt ifrån det enda bra som han gjorde tillsammans
Tom DeFalco, Ron Frenz och Pat Oliffes Spider-Girl
Bild: Ron Frenz, Sal Buscema / Marvel Comics
Spider-Girl # 1- 100, oktober 1998 – september 2006
Spider-Girl var en komiker som var ungefär två månader från att bli avbruten, varje månad, i cirka tio år. Det är anmärkningsvärt av många andra skäl, inklusive att vara den längstgående serien med en kvinna i huvudrollen som Marvel någonsin har publicerat, men att titta på den i sitt samtida sammanhang är helt fascinerande.
Det lanserades 1998, när Marvel klövade sig tillbaka från konkurs genom att kasta ut alla vilda idéer de kunde komma med. Som, säg, lansera ett helt avtryck baserat på Spider-Man’s dotter från en alternativ framtid som hade dykt upp i ett (1) nummer av What If som någon på Wizard verkligen gillade. Resultatet blev Spider-Girl, en komiker som debuterade precis i tid för framväxten av serietidningar på Internet, och var evigt balanserad mellan låg försäljning och en oerhört vokal djupt hård publik som lyckades hålla det igång varje gång det började slingra ner för avbokning.
Det varade tillräckligt länge för Marvel att ändra hela publiceringsstrategin och insåg att de kunde bryta sig in i bokhandlar och nå en ny publik om de någonsin brytt sig om att sätta något annat än Secret Wars och The Dark Phoenix Saga i en pocketbok, särskilt om den boken hade en fristående kontinuitet. Jag har mina misstankar om att om de inte hade Spider-Girl som en prototyp, så kanske Marvel inte hade släppt Ultimate Spider-Man två år senare – att hitta en annan långvarig, kontinuitetslit-hit med nya läsare.
Åh, också en massa saker hände i själva boken, för, du vet, det finns hundra saker av det och DeFalco, Frenz och Oliffe drev aktivt tillbaka mot en superhjälte-berättande trend som gynnade att bromsa berättelser för att ge dramatiken lite andrum. Ultimate Spider-Man är förmodligen det perfekta exemplet och utökar Spideys ursprungliga elva-sidiga ursprung till sex hela nummer. Spider-Girl nr 1 har under tiden en sammanfattning av May Parkers ursprung, en sammanfattning av Peter Parkers ursprung, två kostymförändringar, en konspiration som involverar en olycksbådande como från Kingpin och ett basketspel där May bokstavligen dunkar på sina klasskamrater, och har fortfarande plats för två kampscener.
Det blir mer imponerande när du kontrollerar krediterna: DeFalco, Frenze och Oliffe var involverade i alla utom en av Spider-Girl’s 100 udda frågor. Efter att Spider-Girl slutade kom de dock tillbaka två månader senare för ytterligare 31 nummer som Amazing Spider-Girl. Sedan kom de tillbaka efter det för ytterligare tio nummer som Spectacular Spider-Girl, sedan ytterligare fyra som Spectacular Spider-Girl Vol. 2, och sedan äntligen en one-shot som lade in allt.
Alla berättade, det är 149 frågor som förvånansvärt mycket få människor någonsin verkar prata om eller erkänna för det höga loppet som det är. Återigen, med tanke på bokens historia att få extrema reaktioner, kanske vi är i en Candyman-situation. Vi är alla bara rädda för att om vi säger Spider-Girl tre gånger, kommer Tom DeFalco att dyka upp och börja berätta varför Thunderstrike också var en underskattad pärla.
Pro Spelare har anslutna partnerskap. Dessa påverkar inte redaktionellt innehåll, även om Pro Spelare kan tjäna provisioner för produkter som köps via affiliate-länkar. För mer information, se vår etikpolicy.