Den här recensionen av Odjuret kommer från filmens visningar på filmfestivalen i New York 2023.
På pappret verkar premissen för Bertrand Bonellos nya science fiction-film La Bête, eller Odjuret, relativt lätt att följa. År 2044 är Gabrielle (Léa Seydoux) på väg att genomgå en “reningsprocedure” för att rensa bort sitt DNA från upplevelser, känslor och trauman från hennes tidigare liv från 2014 och 1910. Först måste hon dock återuppleva dem i levande detalj.
Det är en slags tidsreseberättelse, men den börjar ur tiden och utanför sin egen fiktiva verklighet, och inleds med en röst utanför skärmen (Bonello själv) som regisserar Seydoux i ett enormt grönt rum. När Seydoux, med kniven hårt gripen i handen, kryper ihop sig från något osynligt odjur, sätter denna prolog scenen för bilder och abstrakta idéer som återkommer genom filmens olika tidslinjer, från skräcken för själva mötet till teman om hur simulakrum av verkligheten utvecklas över tiden , och hur det förflutna blir pastisch. Allt detta binds samman av den osynliga förmaningen som plågar Gabrielle under tre olika livstider.
ProSpelare Recommends är vårt sätt att rekommendera våra favoritspel, filmer, TV-program, serier, bordsböcker och underhållningsupplevelser. När vi tilldelar ProSpelare Recommends-märket beror det på att vi tror att mottagaren är unikt tankeväckande, underhållande, uppfinningsrik eller rolig – och värd att passa in i ditt schema. Om du vill ha kurerade listor över våra favoritmedia, kolla in Vad du ska spela och vad du ska titta på.
Det är en märklig, sned anpassning av Henry James novell från 1903 “Odjuret i djungeln”, som bara behåller den överväldigande rädsla och depression som James huvudperson John Marcher känner, vilket hindrar honom från att helt leva och omfamna romantiken tills det är alldeles för sent. Det har funnits flera filmversioner under det senaste decenniet — en brasiliansk 2017, en holländsk 2019 och en österrikisk släpptes tidigare 2023, som överför berättelsens miljö till en nattklubb mellan 1979 och 2004. Men istället för att kopiera kärnan i novellen, Bonellos fransk- och engelskspråkiga anpassning använder James täta, beskrivande prosa för att väva detaljerade texturer och sensationer i var och en av hans tidslinjer.
Medan filmens tre miljöer nominellt är kopplade till de liv som Gabrielle har levt, är The Beast inte bekymrad över hur och varför reinkarnation och hågkomst över tid. Istället tar det en distinkt Bollywood-inställning till återfödelse: Så länge samma skådespelare spelar varje version av karaktären, antar Bonello att publiken kommer att projicera de nödvändiga kopplingarna på dem.
Den känslan av projektion är avgörande för The Beast, en film vars känslomässiga inverkan beror på vad du tar till den. Men filmen är aldrig så trög som ditt genomsnittliga Rorschach-test. Dess lyxiga tidslinje från 1910, som ligger mitt i parisisk aristokrati, ser en gift Gabrielle, en musiker och dockmakare till yrket, träffa en charmig, mystisk engelsman, Louis (George MacKay), som påminner henne om att de en gång träffades i Florens och delade en hemlighet i många år. sedan, när de båda var olika människor. Det kan lika gärna ha varit en annan livstid. Redan från början utspelar sig den här berättelsen om tidigare liv och återfödelse genom dubbelt tal. Det bokstavliga och metaforiska finns så nära att de inte går att tolka. Det språkliga handgreppet gäller också för Louis flirtar: Gabrielle frågar honom om de talade franska eller engelska vid det här tidigare mötet. Han svarar: “Vi blandade tungor.”
Det är lätt att svepas med i deras förträngda romantik, men hela tiden talar Gabrielle om någon tragedi som kommer att drabba henne, som ett odjur som väntar på henne i djungeln, redo att förinta henne. Med facit i hand kan det ha varit en föraning – kunde hon ha förutsett det första världskriget, eller kanske den stora översvämningen i Paris 1910? — men denna dunkla känsla av undergång bleknar aldrig. Inte för Gabrielle 1910, och inte för versionerna av henne som levde 2014 och 2044. Genom att splittra berättelsen över dessa tre tidslinjer placerar Bonello själva ångesten över att vara vid liv i ett bredare historiskt sammanhang. Idag är hoten om klimatförändringar och krig inte så annorlunda än vad Gabrielle skulle ha levt med på 1910-talet, en hotande möjlighet till förintelse som både driver och kväver människor i deras vardag.
Några av dessa oroligheter är uppenbara i handlingen från 2044, i en version av Paris där jobb alla är i tjänst för AI, där att gå på gatorna kräver lufttäta gasmasker, och där människor bär beige och grått och matta sina känslomässiga reaktioner för att bli kunnigare arbetare. Det är filmens enda segment inspelat i ett smalt bildförhållande på 4:3 (resten av det är i 1,85:1, närmare en HD-tv), som om tekniken hade krympt gränserna för mänskliga möjligheter.
Återblickarna utspelar sig lika levande som den så kallade nutiden
För att Gabrielle ska gå vidare i sin karriär måste hon konfrontera – och om hon så vill, radera – trauman från sitt förflutna, som hon kommer åt genom en ryggradslig metod som involverar en nål i örat när hon flyter i en svart vätska. Detta är en process som den framtida tidslinjens Louis också starkt överväger, om det innebär professionell rörlighet. (De korsar vägar under en karriärutvärdering.) Hur denna minnesteknik faktiskt fungerar är ett mysterium, men det känns både visceralt och primordialt, och även om de två tidigare tidslinjerna tekniskt sett är minnen, kontaktas de inte med de traditionella filmiska kännetecknen för flashbacks. , som bokstavliga blixtar, match-cuts, ekon av dialog eller liknande knep. Återblickarna utspelar sig lika levande som den så kallade nutiden; filmens 2044 scener är inte ett ankare så mycket som en snett inramningsanordning för att utforska berättelser om konst, förtryck och våld under decennierna.
Medan segmenten från 1910 tar formen av en okomplicerad romans, är scenerna som utspelar sig i Los Angeles 2014 års relativa modernitet splittrade i sin konstruktion, och de förråder en subtil surrealism. (Det är inte riktigt David Lynchs LA, men det är knappast naturalistiskt.) Gabrielle är en modell och wannabe-skådespelerska i det här livet, medan Louis är en frustrerad incel-vloggare som strövar på natten i jakt på kvinnor. Han lämnar en från början underhållande men allt mer kuslig serie videor som påminner om manifestet av Elliot Rodger, som gick på en kvinnofientligt motiverad skjuttur i Kalifornien 2014.
När Louis och Gabrielles liv trasslar ihop sig, gör det också flera andra element från alla tre tidslinjerna, från bikaraktärer till välbekanta dialoglinjer till dockor som blir allt mer animerade och mänskliga under årtiondena. Så småningom bygger filmens kronologi från 2014 till ett dödligt crescendo i paritet med en hårt sårad skräckfilm. Denna höjdpunkt växer i hjärtklappande intensitet, inte bara genom förväntan, utan genom upprepning, och betonar hur nära var och en av oss verkligen är att förlora vår mänsklighet, kanske till och med villigt.
Odjurets tre tidslinjer leker med till synes oblandbara genrer: en klassisk periodromantik, en gripande skräck-thriller och dystopisk sci-fi. Det placerar dem i en logistisk koppling, men Bonello binder dem estetiskt och känslomässigt. Genom sina långa, tankeväckande närbilder av Gabrielle och Louis i varje avsnitt, skapar han en känsla av längtan och isolering över tiden, binder samman mänskliga erfarenheter av dåtid, nutid och framtid och sätter dem i skarpa och kyliga sammanhang .
Foto: Kinology
Och ändå känns filmen som att den ständigt pulserar och är levande under varje scen. Det är en form av filmisk självrättfärdigande; eftersom möjligheten till “rening” hägrar, så gör tanken att var och en av dessa upplevelser, från kärlek och glädje till förlust och vånda, kommer att gå förlorade som tårar i regnet. När Gabrielle från 2044 återupplever upprörande ögonblick från 1910 och 2014, tvingas hon, av en osynlig röst precis utanför skärmen – de flesta karaktärer i den här framtiden är kroppslösa röster, bara halvmänskliga – att inte låta dem påverka henne och att döva sina sinnen . Men det finns kanske inget mer störande än tanken att människor inte ska bli störda av grymheterna runt omkring dem.
Den franske skådespelaren Gaspard Ulliel (Moon Knight) skulle ursprungligen spela rollen som Louis före hans död i en skidolycka vid 37 års ålder. Genom att tillägna Odjuret till Ulliel skapar Bonello en inramning av tragedi och minne kring dess existens, och drar till sig verkligheten. in i sin fiktiva konstruktion som han gör med sin inledande greenscreen-sekvens. Filmen utvecklas på abstrakta sätt, med ojämna redigeringar och plötsliga ljud som bildar ett konstigt lim för de tre tidslinjerna, men den bjuder ständigt in den verkliga världen i sina känslomässiga och tekniska överväganden. The Beast bryr sig inte om att utforska de vetenskapliga muttrarna och skruvarna i sin premiss, men i en dekonstruktiv mening är det så rent sci-fi som film blir. Varje bild och musikstycke binder samman det förflutna och framtiden på ett spännande, tankeväckande sätt och förvandlar dem båda till nuet.
Genom att skriva en så vidsträckt anpassning, en som spänner över hela spektrumet av mänskliga känslor, skapar Bonello ett perfekt filmiskt mikrokosmos av att vara vid liv, i alla dess glädjeämnen och elände, på ständiga kanten av glömskan. I hans version av framtiden gör karaktärer fångade av en värld som varken värdesätter känslor eller erfarenhet ofta resor till klubbar som spelar musik från årtionden tidigare. En led ändrar hela tiden sitt tema (inklusive klädkoden) från 1960-talet till 70- och 80-talen, vilket återspeglar hur det förflutna filtreras och splittras genom nuets prisma. Men det som binder till och med dessa imitationer av epoker samman är människors önskan att leva som deras förfäder en gång gjorde, och att bryta igenom ytan på varje pastisch för att hitta verkliga levda upplevelser, drivna av musik och rörelse.
Detta är också i grunden en träffande beskrivning av Odjuret. De musikaliska kompositionerna (av Bonello och hans dotter Anna Bonello) och soundtracket, fyllt av fängslande klassiker, skapar en rytmisk intensitet som binder samman dess olika historier om kärlek och ensamhet till något genomträngande och komplett. Kameran följer sina karaktärer genom korridorer och runt slingrande hörn tills de hittar varandra, under både sprudlande och tragiska omständigheter. Allt detta kulminerar i ett av de mest skrämmande ögonblicken av ångest som någonsin filmats, tack vare Seydouxs smärtsamma och djupt sårbara framträdande, som säkerligen kommer att bränna sig in i publikens undermedvetna och leva med dem långt efter. Det ekar, som en intim upplevelse från någon annan livstid, men en som känns omöjlig att skaka.
Janus/Sideshow förvärvade The Beast på NYFF och planerar en release snart. ProSpelare kommer att uppdatera denna recension när releaseplanerna är tydligare.