När ProSpelare frågade Januel Mercado, medregissör för Puss in Boots: The Last Wish, om animation som inspirerade det visuella utseendet på hans DreamWorks-film, fick han ett enkelt svar: “Obviously Spider-Verse.” Filmens suggestiva oljemålade stil ser inte ut som Shrek-serien som skapade den. Men det ger inte bara en befintlig serie en makeover. Som så många amerikanska animerade filmer som släppts under de senaste åren, avviker The Last Wish från den estetik som definierade amerikansk animation i decennier, och arbetar mot en mer impressionistisk och dynamisk design.
Och för det har vi Spider-Man: Into the Spider-Verse att tacka.
Under 2018 omdefinierade den första Spider-Verse-filmen inte bara superhjältefilmer (och om du vill få specifika, Spider-Man-filmer), utan också amerikansk animation som helhet. Dess stiliserade tillvägagångssätt hyllar animation som ett allt möjligt medium. Den visade inte bara publiken hur animerade filmer kunde se ut, den uppmuntrade också regissörer och animatörer att tänja på gränserna för accepterad estetik och ta chansen på mer stiliserad och personlig konst.
Puss in Boots: The Last Wish Bild: DreamWorks
The Bad Guys Bild: DreamWorks
Under större delen av amerikansk animations historia har studior kopierat tidigare framgångar. Disneys husstil definierade tecknade filmer i årtionden, och när Pixar började släppa filmer satte den en serie CG-standarder som alla andra nådde efter. Efter en sista våg av traditionell cel-animation blev CG normen i staten. Och medan tekniken radikalt har förändrat animationen från Toy Storys dagar till 2022 års Lightyear, blev det att jaga realism den stilistiska normen. Det är inget i sig fel med det, men på samma sätt som det blev tråkigt att se andra studior kopiera Disneys musikformel efter renässansen, kan det vara tröttsamt att se samma visuella stil om och om igen – inte bara för publik, men för animatörerna som skapar dessa filmer.
“Jag tycker (den långvariga stilen)…”tråkig” är förmodligen överdriven, men jag vill se något annorlunda, säger The Bad Guys-regissören Pierre Perifel. “Ärligt talat är jag inte den enda. (…) Du kan se att trenden skiftar lite.”
“Vi är på den här platsen där så mycket har erövrats (när det gäller realism). Nu handlar det mer om, hur använder du det? Så det är inte så att vi måste göra ett helt nytt verktyg. Det är lite mer: Åh, men kan jag faktiskt inte få det att se realistiskt ut?” säger Enrico Casarosa, chef för Pixars Luca.
Luca Bild: Pixar
Blir röd Bild: Pixar
När det kom till den där sjömonsterfilmen från 2020 erbjöd animering av vatten ett intressant scenario. Under lång tid eftertraktade animatörer förmågan att animera fotorealistiskt vatten – att återge övertygande, trovärdiga texturer var det ultimata målet. Men Casarosa sökte mer värme och uttryck för vattnet i sin film: “Datorn vill göra en vacker skvätt vatten som har varenda droppe i sig. Och vi är som Nej, jag skulle älska att det var en vacker linje som är enkel och poetisk.”
“Det är bara något taktilt som du tycker saknas i många CG-animationer,” säger Turning Red-regissören Domee Shi. “När det kom till att skugga kläder eller hudstrukturer (i Turning Red), var det bara lite mer av en konstnärlig touch till det.”
Inte varje enskild animatör där ute försöker bryta sig loss från sanning. Förra sommarens The Sea Beast, till exempel, vänder sig definitivt mot realismens sida, särskilt när det kommer till de kraschande havsvågorna. Men nu har amerikanska regissörer ett större val – ett de inte fick göra innan Into the Spider-Verse bevisade att publiken var hungriga efter stilistiska experiment.
Klaus Bild: Netflix
En del av de långvariga begränsningarna de stod inför kom från de fysiska begränsningarna för vad datorer kunde rendera, men en del av det var helt enkelt vad studiochefer ansåg värt att investera i. Medan amerikansk animation har hållit fast vid en stil under i stort sett de senaste 20 åren , internationella studios har inte varit bundna av dessa förväntningar. Över hela världen tänjde animatörer på gränserna för vad CG kunde vara och utvecklade den handritade animationen som stora amerikanska studior övergav. Bortsett från en och annan Studio Ghibli-film har dock majoriteten av den amerikanska publiken varit ökänt likgiltiga för utländsk animation.
Into the Spider-Verse var inte den första filmen som förkastade den Pixar-influerade stilen av CG-animation, men den var den första med ett så distinkt utseende som verkligen nådde amerikansk publik, fick bred kritikerframgång, och viktigast av allt för studiochefer, tjäna mycket pengar. Dörren öppnades för animatörer att chansa på något nytt och annorlunda, och de var ivriga att experimentera. Realism blev ett alternativ, inte standard.
Into the Spider-Verse’s uppföljare, Spider-Man: Across the Spider-Verse, driver den första filmens visuella stilisering ännu längre, genom att blanda dussintals olika stilar, från de droppande vattenfärgstvättarna av Gwen Stacys ord till de utklippta collagen som utgör Spindelpunk. Varje ögonblick av filmen är en visuell fest, full av möjligheter som sannolikt kommer att fortsätta att inspirera animatörer i alla studior.
“Jag tror att vi kan ha hamnat i en lite standardiserad version av CGI, vilket det inte behöver vara,” sa Klaus-direktören Sergio Pablos till ProSpelare redan 2019. “Det är bra att se saker som Spider-Verse, till exempel , trycker på det mediet. För för mig borde varje film vara ett försök att göra något annorlunda.”