Och blir automatiskt en av de bästa programmen på Netflix
Ankomningen av den animerade serien Avatar: The Last Airbender på Netflix har blivit brinnande i sociala medier, medan fans passar in för binge-driven rewatches och fans-to-be titta på allt som rantar och raving om showen med ett nyfiken öga.
Varför älskar människor Avatar: The Last Airbender så mycket? Varför ska du titta på det nu om du inte backade när det började? Här är de sju kärnelementen (tyvärr, vi kunde inte välja bara fyra) som gör Nickelodeon-serien till en sådan fängslande klocka för publik i alla åldrar.
En standarduppställning för barnshowen uppgår till något spektakulärt
Bild: Nickelodeon
Avatar: The Last Airbenders kärnprissättning sträcker sig samtidigt över hundra års fiktiv historia och är tillräckligt enkel för att sammanfattas under de första 40 sekunderna av dess sekvens. Showens struktur följer den fraktala kvaliteten, som börjar med ett enkelt förklarat men berättande expansivt mål: En ung pojke med namnet Aang som har behärskat elementärkontrollen av luft genom en kampsport som kallas ”luftböjning” måste slutföra sin utbildning i vattenböjning, jordböjning och eldböjning så att han kan få balans i sin krigsrivna värld och hindra den rasande Fire Nation från att erövra hela planeten.
Men den tomten startar under den första säsongen på ett sätt som verkar barnsligt och bekant. Aang är en chipper Chosen One typ med en rolig djur sidekick. I det första avsnittet möter han den unga vattenbändaren Katara, som kommer över som en Hermione Granger-stil tryhard girl boss sidekick, och hennes arroganta bror Sokka, en impulsiv wannabe krigare och komisk lättnad rumpa-apa. Allt om deras första möte känns som barnutställningar med standardutgåva. Men många av glädjen med Last Airbender är de sätt som det stöter på dessa enkla, bekanta troper och finner de djupare ambitionerna och karaktärskonflikterna bakom alla tre grundläggande arketyperna. Och showen ger dem en utmaning i Wagnerian skala – de försöker inte bara rädda världen, de försöker bryta en cykel som började generationer innan de flesta föddes.
Episoderna att titta på: ”Stormen” (säsong 1), ”Avatar och elden Lord” (säsong 3)
Det finns en speciell användning av humor
Bild: Nickelodeon
Föreställningar som riktar sig till unga människor kan vara ganska fula eller över-the-top, men Last Airbender är snällare om sin humor. En del av det är angenämt dorky, som när Aang – som har bevarats i is i hundra år och fortsätter att förvänta sig att världen ska vara som han kommer ihåg den från förflutna – börjar försöka visa hur hip och med det han är genom att sticka ut sekel-gammal Fire Nation slang. En del av det är slapstick, som den löpande gag om den resande kålförsäljaren som alltid lyckas vara på fel plats vid fel tidpunkt. Men mycket av Last Airbenders humor är baserat på snabba rörelser och snabbt föränderliga situationer, och det håller inte bara tempoet snabbt, det hjälper till att etablera karaktärernas relationer – som när den förvisade Fire Nation-prinsen Zuko fortsätter att få sin höga raseri och ångest punkteras av mjuka jibbar från hans lustiga torra farbror Iroh.
Episoderna att titta på: “The Cave of Two Lovers” (säsong 2), “The Beach” (säsong 3)
Karaktärerna utvecklas faktiskt med tiden
Bild: Nickelodeon
Det Iroh / Zuko-förhållandet är en del av Last Airbenders rika känslomässiga hjärta, men det skulle inte fungera så bra utan en långsiktig berättelseplan. De sista Airbender-skaparna Michael Dante DiMartino och Bryan Konietzko planerade serien från början som en tre-säsongshistoria byggd kring tre stora bågar, och eftersom så mycket var planerat i förväg, hade de förmågan att lägga frön från början som låt karaktärer blommar organiskt över tiden. Zuko börjar som en vanlig mobbingskurk, men långsamma avslöjar om hans historia först förklara sin ilska, sedan ge honom tid att anpassa sig och förändras. Sokka mognar från en välkänd komisk typ till en strateg som bidrar lika mycket till gruppen som hans stormaktiga kamrater. Alla karaktärer lär sig tydligt av sina misstag, mogna från de tidiga unga versionerna av sig själva och samla trauma när berättelsen fortsätter. Att se dem utvecklas från barn till unga vuxna är en av de mest glädjande och relatabla aspekterna av showen.
Episoderna att titta på: “The Southern Raiders” (säsong 3), “The Ember Island Players” (säsong 3)
Det har en sofistikerad motverkan på skurk och dåliga karaktär
Bild: Nickelodeon
Barnas actionpris är känt för minnesvärda skurkar – men vanligtvis inte för nyanserade. Här har Airbender massor av kakor, som tillhandahåller onda megalomanier som gömmer sig i skuggorna tills deras planer nästan är på gång, skumma ryck som använder sin makt för att kliva på folket under dem och hämndliga mördare som riktar sig mot de skyldiga och oskyldiga i deras rasa.
Men showen äter dess kaka också. Andra skurkar inkluderar revolutionärer vars åsidosättande av säkerhetsskador beror på omogna förtroende för svartvita ideologier. Det finns känslomässiga manipulatorer vars sadism är förankrad i underlägsenhetskomplexet som deras uppfostran skapade. Och sedan finns det Avatar’s skurkupplösningsbåge, som brinner långsamt genom mer än hälften av seriens totala körtid.
Prins Zuko från Fire Nation går inte snabbt framåt genom sin häl-ansikte, han går en irriterande två steg framåt och ett steg tillbaka på en väg för självaktualisering. Kolla in alla diskussioner om Rise of Skywalker – en filmbild på 275 miljoner dollar från det bästa och ljusaste som Disney kunde samla – förtjänat sitt slut, och så småningom kommer någon att få fram hur mycket bättre samma historia såg ut i Last Airbender, en Nickelodeon tecknad serie. Samma sak gäller diskussioner om den sista säsongen av Game of Thrones, med dess plötsliga hjälte-till-skurk switcheroo. Dessa kritiker har inte fel; Sista Airbender tog sig tid att göra skurkar rätt.
Episoderna att titta på: “Jet” (säsong 1), “The Day of Black Sun, Part 2: The Eclipse” (säsong 3)
Showen rusar försiktigt upp krafterna
Bild: Nickelodeon
Det stora problemet med de flesta berättelser om stormakter är att både hjältar och skurkar brukar använda dem på samma sätt om och om igen. Avatar var starkt inspirerad av anime, men i synnerhet anime-old-anime tenderade särskilt att falla tillbaka på mycket förutsägbar kraftanvändning – tänk på original Voltron som slutar varje strid med Keith som skriker “Form Blazing Sword!” och skära veckans monster i hälften.
Men Avatar känns mycket mer som ett bordspel-RPG på det sätt karaktärernas krafter utvecklas över tid, med användning och med samarbete. Vissa hela plotlines kretsar kring dem att lära sig nya krafter eller de bästa sätten att tillämpa det de redan vet. (Eller i ett kylande fall, det värsta sättet att tillämpa en makt.) Men mer betydelsefullt är att författarna och regissörerna är imponerande kreativa om hur böjande krafter kan tillämpas. Olika karaktärer har olika stilar och fokusområden, karaktärerna provar nya saker i strid, och de lär sig alla synergisera sina krafter på spännande, oväntade sätt, så varje ny betydande strid är en överraskning och en spännande upptrappning.
Avsnitt att titta på: “Bitter Work” (säsong 2), “The Puppetmaster” (säsong 3)
Världsbyggnaden är grundlig
Bild: Nickelodeon
Här är de hemliga Avatar-fansen inte berättar förrän du går med i stammen: vi har alla gjort den blixtböjande gesten medan vi är ensamma hemma. De visuella stilarna för de olika böjningskunsterna är en av de tydligaste, enklaste tecknen på seriens världsbyggande djup – var och en av de fyra elementen använde en annan verklig kampsportstil för visuell referens, så vattenbenders använder de expansiva, flytande rörelserna av tai chi, använder jordbönder de stampande, förankrade ståndpunkter och stötar av hängd gar, och så vidare.
Samma uppmärksamhet gick till att bygga upp de olika kulturerna och civilisationerna som karaktärerna möter när de reser världen över – människor i olika områden klär sig annorlunda, talar annorlunda, har olika filosofier och kommunicerar på olika sätt. Det är en rik värld full av mänskliga varianter, vilket innebär att varje ny plats är värt att upptäcka och utforska i detalj.
Avsnitt att titta på: “The Swamp” (säsong 1), “Avatar Day” (säsong 2)
Animeringen är sofistikerad och dynamisk
Bild: Nickelodeon
Det är lätt att peka på Avatar’s lysande kampscener som några av showens krönande prestationer inom animering. Det är osannolikt att du hittar en annan västerländsk animerad serie som är den här tillägnad exakta rekreationer av kampsportformer, för att inte nämna kreativiteten i genomförandet.
Och sedan är det själva elementen. Intrikata handrörelser skickar mångfärgade guts av vatten och låga som sveper över ett slagfält. En eldbender drar blixtar från luften med all intensitet hos en olympisk idrottsman. En enda strejk från en jordbenders fot raketer en stenpelare genom luften – och tittaren kan fortfarande säga att den väger många ton.
Men genom att fokusera på actionsekvenserna enbart gör Avatar en björnadsservice. Showen är en triumf av visuell design – från Aangs ikoniska tatuering, till kläderna från en Kyoshi-krigare, till de magnifika väggarna i Ba Sing Se – och av att agera i animering. I Avatar sträcker kroppen sig och floppar för humor, hållning och gestikulerande för drama, och kameran håller ansikten för känslomässiga beats, ett bevis på arbetet för de koreanska animationsstudiorna som är involverade i dess produktion.
Avsnitt att titta på: “The Crossroads of Destiny” (säsong 2), “Sozin’s Comet, del 3: Into the Inferno” (säsong 3)