Ibland behöver ett företag bara pengarna, och ibland förlorar det licensen till Superboy
Ibland känns det som Marvel och DC Comics borde ha tecken på sina kontor som läser “Det har varit [X] problem sedan vår senaste omstart. ” Årtionden av kontinuitet har tvingat superhjälteunivers att förenkla saker för nya läsare med universumförändrade händelser – men förenkling är oftast inte det enda redaktionella målet.
Bakom kulisserna i dessa jordskalande berättelser ligger lika intressanta berättelser om ekonomisk omvälvning, licensierande mardrömmar och rent gammaldags trots. Det här är vad som hände bakom kulisserna för några av seriernas största omstarter.
Kris på oändliga jordar
Universellt betraktat som den första företagets hela “mega crossover”, 1985’s Crisis On Infinite Earths tillbringade ett år på att kollapsa DC Universum från ett trassligt röra med Golden Age-hjältar, moderna ekvivalenter och karaktärer som köpts grossist från andra företag till en definitiv tidslinje, dödar några älskade karaktärer längs vägen.
Den gemensamma konsensus bland fansen är att Crisis var ett top-down beslut av DC-mässingen att desperat förbli konkurrenskraftig mot ett växande underverk. Företaget hade till och med flyttat idén att stänga av sin publiceringsarm och licensiera sina toppkaraktärer som Batman och Superman till tävlingen 1984. Men den verkliga historien går tillbaka år tillbaka, och en av dess viktigaste karaktärer skapades decennier innan.
För författaren Marv Wolfman kom önskan att rensa upp DC-universums krängliga rörelse 1981, medan han skrev Green Lantern. Enligt veteranskrivernon samlade han bokens brevkolumn när han stötte på ett meddelande från en fan som klagade över att han hade ignorerat ett tidigare möte mellan två karaktärer.
I sitt svar skrev Wolfman ”En dag […] vi (vilket betyder DC-redaktionella vi) kommer förmodligen att räta ut vad som finns i DC-universum, utesluter det som inte är i direkt referens till Earth One, och vad som finns utanför. ”
Wolfman åkte sedan till ett konferens i Pennsylvania. På tåget fortsatte fläktens fråga och hans svar genom hans huvud. Efter att ha arbetat på Marvel på 70-talet förstod han hur offset DC: s multiverse var för nya läsare och kände att något definitivt behövde göras.
När han nådde sin destination var den grundläggande idén för kris redan klar: En massivt kraftfull enhet som heter Monitor skulle samla hjältar från hela DC-multiversen för att förhindra dess absoluta förstörelse, vilket resulterade i en sanering och konsolidering av tidslinjen till en berättelse som är lätt att följa. Monitor var ny i DC-universum, men enligt en intervju med The 13th Dimension hade Wolfman haft en version av honom som sparkade runt i decennier.
DC Comics hade till och med överfört idén att licensiera Batman och Superman till Marvel
Som litet barn hade Marv skapat bibliotekaren, som bodde i en satellit som kretsade runt jorden och höll koll på världens hjältar och skurkar. Bibliotekaren döpte namn på Monitor och serien, med titeln The History of The DC Universe, planerades för 1982.
Det hände uppenbarligen inte – utvecklingen av maxiserierna tog mycket längre tid än förväntat, inklusive DC-redaktion anställde en arkivist för att läsa varje enskild komiker som företaget någonsin hade publicerat (prata om ett drömjobb) och ta anteckningar (anteckningarna var inte, i Slutet användes mycket, men de finns fortfarande i ett handskrivet bindemedel i DC: s Burbank-arkiv idag). Så småningom fattades beslutet att publicera serien i samband med företagets 50-årsjubileum 1985.
Wolfman ville också ha ett helt annat slut på Crisis – med universum omfödda skulle varje DC-bok starta om med en ny första nummer och en helt tom skiffer. Ingen kommer ihåg att krisen någonsin har hänt alls.
Det hände inte, och Crisis var bara det första av många, många saneringsförsök DC skulle flyta under de kommande decennierna.
Reborn’s Heroes
Bild: Rob Liefeld / Marvel Comics
1992 bildade sju av Marvels bästa artister – Jim Lee, Rob Liefeld, Todd MacFarlane, Erik Larsen, Jim Valentino, Marc Silvestri och Whilce Portacio – ut på House of Ideas för att bilda sitt eget företag, Image. Utflyttningen var en tipppunkt för branschen. Founding Image Comics gjorde dem miljoner, men några år senare fann Marvel ett sätt att få dem alla tillbaka i veckan.
I en intervju med Newsarama har Marvel-redaktören Tom DeFalco sagt att mycket av brottet mellan Marvel och Image bara var för allmänheten – ett “verk” för att uttrycka det i proffsbrott. Konstnärer och författare från båda företagen höll på vänliga villkor med varandra.
Det var en gång på ett kongress där vi gick ner i korridoren, och en av Image-killarna kom ner i korridoren med sin fru och hans baby, och vi stod alla runt, du vet, lekte med barnet och frågade, hur är det går det? Hur är livet? Och alla andra saker. Och ett par paneler öppnade sig runt oss, och plötsligt kom alla fans ut. Och vi insåg plötsligt, ”Å nej! De kommer att se oss brodera med fienden! ” Och vi började flytta från varandra.
Så, Image-killen säger riktigt högt, “Och jag kommer aldrig att arbeta för Marvel igen !!”
Och jag sa: “Vi vill inte ha dig längre ändå !!”
År 1995 var Marvel i svåra förhållanden – ingen mängd gimmick-täcker eller heta karaktärer kunde hindra beståndet från att tankas, efter att den nya ägaren Ron Perelmans aggressiva expansion utjämnade företaget med enorma skulder. Marvel hade handlat till högst 35,75 dollar per aktie 1993. 1996 hade det sjunkit till 2,38 dollar.
Det krävde Marvells nya president, Jerry Calabrese, en före detta VD på Playboy utan någon komikerbakgrund för att få det att hända. Calabrese bokade ett möte med Image-grundarna för att rätta till några av de problem som fick dem att lämna i första hand: kreativ kontroll och vinstdelning. De flesta avvisade, men med tiden kunde han hash ut en affär med två, Lee och Liefeld.
Liefeld tecknade bara ett enda nummer av Avengers, och Lee ritade bara några fler av Fantastic Four
Desperat att sänka kostnaderna och öka försäljningen, Marvel försökte något helt nytt: outsourcing av varje enskild aspekt av produktionen av Avengers, Fantastic Four, Iron Man och Captain America till Lee och Liefelds ateljéer, Wildstorm och Extreme. Böckerna skulle skrivas, ritas och till och med redigeras och marknadsföras helt utanför Marvel bullpen. Och pengarna var väldigt bra – enligt en skrivning i Comics Journal skulle Lee och Liefeld se en miljon framifrån, plus antingen 40% av vinsten eller $ 2 miljoner, vilket belopp som visade sig vara större.
(Samtidigt avskedade företaget 275 anställda efter att de återvänt från sin semestersemester.)
I en CompuServe-chatt som hölls i januari 1996 hänvisade Calabrese till Bildsamarbetet som ”den första omarbetningen av Marvels kärnkaraktärer på 30 år.” I Heroes Reborn skulle Marvels största karaktärer kastas bort till ett fickunivers, där de fick nya historier och deras äventyr tidigare inte hade hänt. Investeringen verkade initialt värt det för Marvel, eftersom försäljningen ökade snabbt för de nya böckerna. Det första numret av Lee’s Fantastic Four tredubblade nästan vad den senaste serien har rört sig om. Men det skulle inte hålla.
Lee och Liefeld, markisttalenterna, tappade av konstuppgifter på Heroes Reborn nästan omedelbart. Liefeld tecknade bara ett enda nummer av Avengers, och Lee ritade bara några fler av Fantastic Four. Marvel bröt affären med Liefelds studio vid sexmånadersmärket och gav Lee alla fyra böcker att hantera. Försäljningen började också sjunka, och i slutet av Heroes Reborn var de nya böckerna nästan tillbaka till Marvels baslinje.
Lee har sagt att trots detta var Marvel intresserad av att hålla Heroes Reborn-böckerna igång, under förutsättning att han återvände till att skriva in minst en serie. Han avböjde, och redaktionella kollapsade fickuniverset och återvände till den ursprungliga numreringen av alla fyra böckerna och slutade experimentet.
En intressant coda, från en intervju med Lee på Kevin Smiths Fatman på Batman-podcast, avslöjar vad företaget ville göra härnäst: ge Lee’s studio ytterligare fyra böcker att starta om. Den här gången skulle det ha varit Punisher, Nick Fury, Doctor Strange och Defenders. Lee gick bort från spelningen, men den framtida konstnären Joe Quesada lobbade för det, och 1998 satte företaget honom ansvarig för Marvel Knights-linjen som förde flera av dessa karaktärer till nya kreativa toppar.
Oändlig kris
Bild: Jim Lee / DC Comics
Efter krisen på oändliga jordar trodde många fans att botemålet hade varit sämre än sjukdomen. Visst, DC: s trassliga tidslinjer städades upp, men det fanns så många lösa ändar kvar som måste föras i linje med den nya status quo att författare tillbringade hälften av sin tid på att rätta till dem.
Företaget försökte fixa saker flera gånger med små återställningar som Zero Hour-evenemanget, men redaktionellt 2005 insåg de att No Parallel Earths-regeln antagligen hade varit ett misstag. Så författaren Geoff Johns, en av företagets mest pålitliga pennor, fördes in för att göra saker rätt. Infinite Crisis innehöll återfödelsen av DC: s parallella universum, vilket gjorde stora förändringar av status quo. Wonder Woman var nu en grundande medlem av Justice League, Joe Chill arresterades för mordet på Batmans föräldrar och flera döda karaktärer återvände till livet.
En av de största förändringarna var dock skyldig av en ännu kraftigare styrka: det amerikanska rättssystemet. Det skulle inte vara en kris utan blodbad, och övergången såg Connor Kent, hjälten känd som Superboy, död i händerna på en ond Superboy från ett annat universum.
För att förstå varför DC tog Superboy av bordet, måste du gå tillbaka till 1938, när det unga författar-konstnärslaget Jerry Siegel och Joe Shuster fick 130 dollar för rättigheterna till en ny karaktär som de skapade: en kille som heter Stålman. 1947, efter att karaktären hade blivit en nationell framgång, skapat en mängd imitatorer och skapat en helt ny serie av serier, försökte de två stämma förläggaren för att få rättigheterna tillbaka, bara för att få veta att kontraktet var järnklädt .
Men det fanns ett förbehåll. Domaren beslutade att Superboy, som introducerades 1945, inte omfattades av det avtalet och tillhörde Siegel. DC avgörde och betalade 94 000 dollar för karaktärsrättigheterna, men de två sidorna fortsatte att staketa med varandra för upphovsrätt och äganderätt.
Det gick i början av 00-talet när Siegels arvtagare fick säga upp DC: s licens för Superbys upphovsrätt, enligt villkoren i upphovsrätten från 1976. Två år innan tidsfristen nekade DC meddelandet och inledde en annan rättegång.
ledare tog den heroiska nya Superboy från bordet och gjorde den gamla till en oåterkallelig skurk
Bakom kulisserna insåg DC att enligt lagens villkor skulle Superboy kunna dras från sina händer när som helst. Detta var inte bara en katastrof för serierna, utan också för CW: s Smallville-show, som gick under 00-talet. Som ett försök att mildra den möjliga förlusten tog redaktionella den heroiska nya Superboyen från bordet och gjorde den gamla till en oåterkallelig skurk som ändrade sitt namn till Supeman-Prime och lämnade inga Superboys kvar i DC-universum.
Johns och den dåvarande medförläggaren Dan DiDio förnekade båda att döden av en Superboy och döpa om en annan var motiverad av kostymen, men tidpunkten är fruktansvärt nära – bara en vecka innan frågan om Superboys dödshit står, beslutade domstolen för av Siegels.
Sagan slutade inte helt förrän 2013, då en domare avgörde att DC: s tidigare avtal hade upprättat en fullständig rättighetsöverföring av Superman, Superboy och andra i evighet. Skrivningen var på väggen en liten stund innan då, med Connor Kent som togs ut ur malbollar under 2008: s Final Crisis: Legion Of Three Worlds. Idag har DC Universe en Superboy ännu en gång. Två av dem, faktiskt!
Omänsklighet
Bild: Joe Madureira, Marte Gracia / Marvel Comics
I nästan ett halvt sekel har X-Men varit en av Marvels mest tillförlitliga exploaterande franchises. Det glada mutantbandet satte försäljningsrekord på 90-talet och fortsatte att frodas under en längre tid, tills mitten av 2010-talet såg dem plötsligt ut ur rampljuset, deras befolkning minskade och deras mest populära karaktärer, inklusive Wolverine, dödade. Hur kunde detta hända?
Det hela går tillbaka till Marvels försök att klättra ut ur 1990-talet. För bara 2,6 miljoner dollar licensierade serierna film- och animationsrättigheter till X-franchisen till 20th Century Fox. Det skulle visa sig vara en liten pittans, eftersom 2000-talets X-Men-film gav Fox $ 160 miljoner i vinst, och många uppföljare följde. Marvel tar på var och en? Två procent av biljettförsäljningen.
Trots pengaskillnaden var Fox-affären inte något som Marvel-ledningen blev för upprörd över. Men 2008, när Marvel Studios började göra sina egna extremt framgångsrika filmer, började de inte få tillgång till några av deras mest kända karaktärer i företagets craw.
Enligt en Nerdist-podcastintervju med lång tid X-skriven Chris Claremont, 2014, Marvel redaktion gick ett direktiv ner genom raden: Inga fler mutanta karaktärer. Anledningen? Enligt Claremont skulle alla mutanter som skapats som en del av X-franchisen inte kunna utnyttjas som en del av Marvel Cinematic Universe – istället skulle de gå rätt till Fox enligt villkoren för det avtalet.
Inte mindre en personlighet än Marvel SVP för att publicera Tom Brevoort ekade det uttalandet och besvarade en fanfråga om X-Men på hans Tumblr med “Om du hade två saker, och på en tjänade du 100% av intäkterna från de ansträngningar som du sätta på att göra det, och den andra du tjänade en mycket mindre procentsats för samma tid och ansträngning, skulle du vara mer benägna att koncentrera dig tyngre på det första, eller hur? “
Men mutanter var en extremt tillförlitlig del av Marvel universums struktur, som kunde ge en snabb förklaring till en ny hjälte eller skurk. Så vad skulle företaget göra för att ersätta dem? Det skulle vara omänsklighet.
På sidorna i denna övergång 2014 släpptes den främmande Terrigen Mist på jorden, och låste fast vid människor som innehöll omänskligt DNA och … ja, genom att mutera dem. Men dessa var inte mutanter, de var “NuHumans”, så Fox ägde inte dem och Marvel Studios kunde utnyttja dem. Åh, och bara för att göra symboliken mer uppenbar, var dimma dödligt giftiga för mutanter.
Så småningom skulle Disneys förvärv av 20th Century Fox få X-Men tillbaka till företagets goda nådar, med de flesta av NuHumans (med ett anmärkningsvärt undantag) som sopades under mattan för att aldrig ses igen.
Valiant V2
Bild: Acclaim
Serierna till serier är full av uppskattade förlag som brann hett och bleknat snabbt, och en av de mest beryktade var Valiant. Finansierat av Triumph-riskkapitalföretaget i början av 90-talets spekulatormom, startade chefen Jim Shooter och en mängd ex-Marvel-artister de knapriga gamla karaktärerna i Gold Key Comics med en modern snedställning och utökade mammutförsäljningen. Men företagets omstart från mitten av 90-talet fick en mycket ovanlig fiende – Mortal Kombat.
Enligt en intervju med Valiant-chefredaktör Bob Layton, ”När Triumph hade gjort tillräckliga vinster beordrade de (grundaren Steve) Massarsky att sälja företaget. De ville ut. De var i riskkapitalbranschen, inte publiceringsbiz. De gav oss inget val. ”
Företaget hade några frisörer, men 1995 spenderade Acclaim 65 miljoner dollar för att köpa Valiant, ett företag med en värdering av $ 30 miljoner. Videospelutgivaren var fylld med kontanter och hade dominerat den tidiga delen av decenniet med ett aggressivt produktionsschema som var lika delar med låg kvalitet licensierade spade och portar med populära arkadtitlar.
Problemet med den affärsmodellen var att Acclaim inte hade något den verkligen kunde kalla sin egen. Valiant köptes som en ”utvecklare av immateriell egendom”. Men serierna av serier började redan falla brant 1994, med en rapport från distributören Capital City som visade Magnus: Robot Fighter, en av Valiants mest populära böcker, och säljer bara 10 procent av vad den hade bara ett år tidigare. Varför köpa dem då?
Eftersom Acclaim hade slut på optioner. Enligt en artikel i New York Times undertecknades Valiant-affären i en hast, bara en vecka efter att Acclaim informerades om att dess extremt lönsamma licenser för arkadgiganten Willams NBA Jam och Mortal Kombat skulle löpa ut. Williams hade just tecknat ett nytt exklusivitetsavtal med Nintendo – en mycket större fisk. Acclaim hade ett enda år för att komma med nya franchisebolag att bygga sina spel på, och efter att Image skrattat sitt erbjudande direkt utanför dörren, var Valiant deras bästa möjliga satsning.
efter att Image skrattade sitt erbjudande direkt utanför dörren, var Valiant deras bästa möjliga satsning
De nya ägarna flyttade snabbt för att dra åt plånboksträngar, klippte ner Valiant-linjen och avbröt lägre säljande böcker. Men ingenting kunde stoppa bilden som hela branschen upplevde, så de gick till en mycket bekant brunn: omstart.
“V2” tog linjens mest populära karaktärer, anlitade nya kreativa team och gav dem nya bakhistorier och hemliga identiteter, vilket väcker frågan: Om du bara skulle anställa människor för att skapa nya hjältar, varför betala 65 miljoner dollar för Valiant på Allt? Ingen hade svar.
Bob Layton säger i sin intervju att den verkliga anledningen till omstart var att avbryta alla dyra kontrakt som de nuvarande kreativa lagen åtnjöt och ersätta dem med mer branschstandardlön. Den nya karaktärens ursprung var bara en sidofördel.
År 1998 var Valiant nästan död och publicerade en handfull enskott för att hålla upphovsrätten vid liv. Acclaim skulle soldat på i ytterligare några år och ansöka om konkurs 2004. Även om åtminstone en av V2-titlarna, Turok: Dinosaur Hunter, skulle inspirera en hit N64-serie passerade majoriteten av dem utan föregående meddelande. Lyckligtvis för Valiant köptes företagets immateriella egendom 2005 av mer rimliga ägare.
Även om de gjorde den Bloodshot-filmen.
Pro Spelare har anslutna partnerskap. Dessa påverkar inte redaktionellt innehåll, även om Pro Spelare kan tjäna provisioner för produkter som köps via affiliate-länkar. För mer information, se vår etikpolicy.