Producentens ökända Marvel-film har en annan plats i historien
När du läser kroniker om filmbranschens legendariska floppar inkluderar de nästan alltid Howard the Duck, Marvel Comics anpassning från 1986 som kostade 37 miljoner dollar och gick hårt i kassan.
Den ikonoklastiska Marvel-komiken skriven av Steve Gerber blev ett osannolikt popkulturfenomen i mitten av 1970-talet och George Lucas upptäckte det i filmskolan. På 80-talet glömdes dock Gerbers skapelse mestadels – förutom av Lucas. Regissör-producenten valde Howard the Duck som ett av sina produktionsprojekt efter Star Wars-markören, regisserad av sin gamla vän och den amerikanska graffiti-medförfattaren Willard Huyck.
Men från askans misslyckande uppstår ofta framtida framgångar. Denna udda ballboll om en dimensionskränkt antropomorf vattenfågel gav upphov till en teknik för specialeffekter som revolutionerade hur actionfilmen gjordes. Vi skulle inte ha The Matrix utan Howard the Duck.
Bakom fjädrarna
Bild: Universal Pictures
På 1980-talet var Industrial Light & Magic där magiska specialeffekter hände. Lucas grundade företaget för att han ville att den ursprungliga Star Wars ska innehålla visuals som ingen annan sci-fi-film hade dragit igång tidigare. Ett rymdslag i New Hope skapades med en PDP-11-dator som exakt flyttade en kamerarigg runt detaljerade miniatyrmodeller. Den spelade in sina rörelser och spelade upp dem exakt, vilket möjliggjorde att flera bilder skulle kunna sammansättas samtidigt som de bibehåller placering och perspektiv. Detta revolutionerade hur effekter scener koreograferades och placerade datorn i hjärtat av Lucas ‘verktygssats. Det tog inte lång tid innan ILM: s uppmärksamhet vred sig på att använda maskinerna för att förändra filmen själv.
ILM: s projekt användes ofta som bevis för koncept för ny teknik, och Howard the Duck var inget undantag. Filmen var full av ambitiösa effekter, från “Go Motion” -tekniken, som användes för att skapa den realistiska suddigheten av filmens skulpturerade miniatyr Dark Overlord-monster, till de trådlösa kontrollerna för Howards ansiktsanimation. Men utan tvekan var filmens viktigaste effekt något som inte ens dykte upp på skärmen.
Howard the Ducks ganska bokstavliga genombrott kom precis i början, i en scen där ankan är raket ut ur sin lägenhet tillsammans med sin fåtölj. Effekten filmades med ståltrådar som drack marionetten och propellen horisontellt genom flera väggar och uppsättningar, men det var det som kom efter att kameran slutade rulla som gjorde den verkligen revolutionerande.
Går i tråden
Trådupphängning var inget nytt i specialeffekter. Klassiker som Metropolis (1927) och King Kong (1933) simulerade flygplanens flygningar genom att flytta små modeller över knappt synliga stålsträngar. Skådespelare kan också fångas i sele för att simulera flykt, en teknik som antagits från scenen.
Över i Hong Kong var direktörer ännu mer ambitiösa med sina ledningar. För att öka sin redan imponerande smidighet utnyttjades artisterna upp till ledningar för heroiska språng och tyngdkraftsbesparande spark. Tekniken definierade wuxia-filmerna på 1960-talet, men om du myser, kan du ofta se spännande snören som stoppar hjältarna och skurkarna.
Det fanns många metoder för att dölja eller på annat sätt kamouflera deras närvaro. Trådarna målades för att matcha bakgrunden, tändes med hårt ljus, optiskt suddig med Vaseline, och ibland målade även på filmen själv. Men för Howard the Duck utvecklade ILM en nästa generations tekniska lösning.
Gnid det ut
Efter att scenerna med Howards stol som sprutades genom väggarna och ut ur byggnaden togs bilderna till det optiska laboratoriet ILM, där teamet använde upplösningar, dubbla exponeringar och andra traditionella efterproduktionsmetoder för att skapa visuella effekter. Enligt Jonathan Luskin, animatör och teknisk chef på ILM, var den ursprungliga avsikten att använda traditionella analoga metoder för att dölja ledningarna – han tror förmodligen Vaseline på glas. Men det såg bara inte riktigt ut: Howard flög med de olika ytorna och vaknade för mycket uppmärksamhet på tråden, till och med suddig och i rörelse.
Med avdelningen i en återvändsgränd nådde teknikerna till datorgrafikgruppen för att se om det hade några idéer. ILMs grafikgrupp hade just utvecklat ett program som heter LayerPaint för att köra på de tidiga Pixar Image Computers. (När Lucasfilm sålde ett kontrollerande intresse i Grafikgruppen till Steve Jobs 1986 skulle Jobs byta namn på företaget efter den hårdvaran.) LayerPaint tillät artister att rita in rastergrafik på transparenta lager över filmfilmer, innan konsumentprodukter som Photoshop gjorde det är möjligt.
Teamet hade också en av de enda digitala laserskannrarna i världen som kunde hantera film. Luskin modifierade programmet så att det laddade ramar i följd, och konstnären Bruce Wallace gick igenom och använde det för att kompositera i bakgrundsfärger och strukturer över de synliga ledningarna, ram för ram. Slutresultatet, i rörelse, ser nästan sömlöst ut.
Tekniken var en omedelbar hit i cirklar med visuella effekter. Plötsligt kan filmer ha levande skådespelare och rekvisita som bryter mot fysikens lagar utan att tillgripa en blå skärm. Flera studior utvecklade sina egna tekniker och mjukvara, och metoden användes särskilt för hoverboard-sekvenserna i Back to the Future Part II och cykelhoppet i Terminator 2: Judgment Day strax efteråt.
“Ingen tänkte på oss först,” sa Luskin till mig. ”Det handlade alltid om att bevisa oss själva. Vissa handledare för visuella effekter var framtidsinriktade, men andra förstod inte riktigt vad vi kunde eller inte kunde göra. ” LayerPaints primära programmerare, Mark Leather, skulle få ett Oscar-pris 1993 för sitt bidrag till tekniken.
Fantastiska slagsmål
Medan amerikanska filmer kan innehålla en eller två trådstunts under en enda film krävde action i Hong Kong mycket mer. Vid 1990-talet hade trådarbeten blivit en häftklammer i branschen, med en generation av filmframställare som försökte upprätta ante. Filmer som Ching Siu-tungs Swordsman II och Tsui Hark’s Once Upon a Time in China erbjöd skandalösa trådassisterade slagsmål.
En av periodens mest anmärkningsvärda regissörer var Yuen Woo-ping. Efter att ha börjat sin karriär 1978 med Jackie Chan-fordonet Snake in the Eagle’s Shadow, arbetade Yuen med många av genrens storheter. När han fick förtroende började han koreografera mer och mer tråddrivna actionscener. Vid 1993 Iron Monkey betraktades han allmänt som en av Hongkongs obestridda mästare av tekniken.
När verkställande producent Barrie Osborne närmade sig Yuen om att komma ombord på The Matrix, drog han inledningsvis av rädsla för att hans dåliga engelska skulle hindra hans effektivitet. Men när han blev uppmärksam på projektet och de specialeffekter som skulle åtfölja hans kampkoreografi, gick han med på att arbeta i Amerika för första gången, med det förbehåll som huvudaktörerna tränar direkt med honom.
Jacka in
Wachowskis hade stora drömmar för The Matrix.
Manuset införlivade och hänvisade till en panoply av idéer från buddhismen, kvantmekanik, semiotik och mer. I en chatt 1999 på webbplatsen Warner Bros. kommenterade de: ”Vi tror att den viktigaste typen av fiktion försöker svara på några av de stora frågorna. En av de saker som vi talade om när vi först fick idén om The Matrix var en idé som jag tror filosofi och religion och matematik alla försöker svara på. Vilket är en försoning mellan en naturlig värld och en annan värld som uppfattas av vårt intellekt. ”
De visste också att Warner Bros. inte skulle betala 75 miljoner dollar för 90 minuters hård filosofisk undersökning, så de behövde leverera actionsekvenser som ingenting som västerländska publik någonsin sett.
Huvudsakliga skådespelare i The Matrix genomgick en rigorös fyra månaders utbildningsprocess för att kunna kämpa enligt Yuens standarder. De flesta Hong Kong-skådespelare kommer upp genom ett kampsportsystem, så de har åtminstone en grundläggande kunskap om teknikerna, men Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss och resten började från början. För att förvärra saken hade Reeves nyligen operationer för att smälta två ryggkotor i halsen, men fortsatte att göra nästan 95% av sina actionbilder.
En av anledningarna till att Yuen gick med på att arbeta med filmen var tekniken som skulle tillämpas för att maskera wirework, och han krediterar upplevelsen med att öppna sitt sinne för potentialen för ytterligare effekter. En stor majoritet av sekvenserna i filmen spelades praktiskt, med det enda digitala arbetet som kom i radering av rigg och trådar.
Det är ingen fråga om hur inflytelserik The Matrix var för action-bio. Hollywoodfilmer som följde svängde för att inkludera spännande, större än livets kampscener. Med tillförlitligheten för borttagning av digitala trådar kan regissörer låta sina högt betalda skådespelare säkert utföra övermänskliga feats och känna hela tiden.
Yuen tog bort digitala trådar tillbaka till Hong Kong, och direktörer där antog snabbt tekniken. Ang Lees 2000 film Crouching Tiger, Hidden Dragon visade hur modern teknik kunde anpassa sig till ett klassiskt wuxia-läge, och innan länge var de gamla sätten att dölja ledningar officiellt föråldrade.
Tillverkningen av radering av digital tråd har också gjort filmproduktionen säkrare för skådespelare. Tidigare skulle stuntkoordinatorer använda de tunnaste kablarna som möjligt för att minimera utseendet på kameran. Men nu är det lika lätt att måla över ett tjockare rep, vilket minskar risken för oavsiktligt brott.
Det är helt rättvist att säga att modern action, inklusive de akrobatiska kampscenerna från Marvel Cinematic Universe, är mycket skyldig med sitt visuella ordförråd till teknik från Howard the Duck. Om det inte var för en liten grupp ILM-artister som ivrigt försökte få en knäckande docka på en fåtölj att se ut som om han verkligen flyger, skulle filmvärlden ha varit väldigt annorlunda.