Renaissanceperioden efter Disney möjliggjorde ovanliga animerade experiment som floppade, men hittade fans
Din favoritbarndomsfilm har kanske varit en total box-dud. De animerade filmerna som definierade slutet av 90-talet och början av 2000-talet älskas av en generation som växte upp och tittade på dem på VHS, men många av dessa nostalgiska favoriter var kritiska misslyckanden, besvikelser i boxen eller båda. Vad gick fel på vägen? Och varför fick de sådan kärlek efter faktum? The Beloved Animated Failures-serien är ute efter att damma bort de gamla VHS-banden (eller mer exakt, hitta filmerna på streaming) och undersöka några av dessa älskade misslyckanden.
På hälarna på Disney Renaissance – studiorevival som resulterade i animerade klassiker som Beauty and the Beast och The Lion King – massor av andra företag ville ha på de betydande box-office-returerna Disney såg för sina animerade filmer. Några av studionerna som följde i Disneys fotspår följde dess formler till en T, som skapade filmer med påkostade musikaliska sekvenser och framtidens bågar. Andra experimenterade med genren i hopp om att utveckla sina egna igenkännliga stilar. Disney experimenterade själv med att bryta renässansformeln när den gick in i det nya årtusendet.
I slutet av 1990-talet och början av 2000-talet var en era av experiment i animering, och många av dessa experiment slutade i ekonomiskt misslyckande. Serien Beloved Animated Failures kommer att se tillbaka på den eran och filmerna som inte lyckades definiera eller belöna sina studior, men senare hittade hängivna målgrupper som minns dem positivt idag. Den här veckan tittar vi på The Iron Giant från Warner Animation, som, om anekdotisk internetinformation kan lita på, förmodligen fick dig att gråta. Det är en berättelse om det kalla krigets paranoia inslagna i en pojke-möter-jätte-robotfanér, och det blev en hit Warner Animation inte kunde ha förutsetat.
Bild: Warner Animation
Utgivningsdatum: 6 augusti 1999
Regissör: Brad Bird
Produktionsbudget: 50 miljoner dollar
Världsomfattande box office: 31,3 miljoner dollar
Rotten Tomatoes poäng: 96%
Vad det handlar om
Iron Jiant äger rum i en liten stad i Maine under det kalla kriget. En pojke med namnet Hogarth Hughes blir vän med en jätte metallrobot som han hittar i skogen, men en snutande regeringsagent är fast besluten att förstöra roboten, som han fruktar är ett främmande hot.
Lite backstory …
The Iron Giant hade varit i ett utvecklingsstadium sedan 1991, som ursprungligen släpptes av animatören Richard Bazley till ex-Disney-animatören och studiogrundaren Don Bluth, som vidarebefordrade projektet. Warner Entertainment, som långsamt utvecklade sin animerade studio, förvärvade projektet i mitten av 90-talet.
Att anpassa en Ted Hughes science-fiction-historia från 1968 om en jätte metallrobot var ett konstigt val för studion, med tanke på hur fantasivistad animationslandskapet var. Då dominerade landskapet filmer som Beauty and the Beast och Anastasia, full av svepande bollklänningar och magiska trollformler. Men studion tyckte att det var ett perfekt tillfälle för regissören Brad Bird, sedan kopplad till Turner Feature Animation, som utvecklade en science-fiction noir-film som aldrig gjorde den förbi tidig utveckling.
Bird togs till historien om Iron Giant, och han lade fram en version där baskonceptet kokade ner till “Vad händer om en pistol hade en själ och valde att inte vara en pistol?” (Det här meddelandet fick en ännu mer gripande ton efter hans systers pistolrelaterade död 1998.) Projektet var grönbelyst och produktionen började officiellt i början av 1997.
Men utvecklingen drabbades snabbt. 1998 öppnade Warner Animation’s Quest for Camelot i teatrar – och blev en kritisk och box-office-flopp. Camelot – som följde Disney-formeln noggrant med sina svepande musikaliska sekvenser och plockiga tonårsflickahjälten – kunde inte vara annorlunda än science-fiction som drivs Iron Giant. Men den avgränsade avkastningen jämfört med den höga budgeten tvingade Warner att ompröva sin animationsstrategi.
Varför det inte fungerade
Bild: Warner Animation
Iron Jiant var en total kassaklubb. Till skillnad från vissa av era andra brister, finns det ett tydligt skäl: Warner gav inte The Iron Giant ett uns marknadsföring. Filmen hade inte ens ett konkret annonserat släppdatum, än mindre försäljningsavtal och riktiga affischer. Undergången av Quest for Camelot gjorde Warner tveksam till att stödja ytterligare en animerad film, så studion lägger huvuddelen av sin marknadsföringsinsats bakom en annan kritisk och kassaskåp: Wild Wild West.
“I grund och botten uppfattades vi som en film som skulle vara klar och läggas på hyllan tills det fanns ett hål eller något i release-schemat i framtiden,” sa Bird i en intervju med JoBlo.com. “Och sedan skulle vi vara anslutna. De skulle inte ge oss ett släppdatum, de hade inga hopp. De trodde bara att animering inte skulle fungera för dem. ”
Och företaget höll fast vid den planerade strategin. Under de kommande åren skalade Animation drastiskt tillbaka sin funktionsanimationsavdelning och svängde in i TV för närvarande. Trots glödande kritiska recensioner, floppade The Iron Giant vid kassakontoret och flyttade snabbt till hemsläpp.
Varför vi älskar det idag
Bild: Warner Animation
Efter den positiva pressen för The Iron Giant – och de många kritiska iakttagelserna om den uppenbara bristen på marknadsföring – försökte Warner Spelare att korrigera sitt fel, och företaget monterade en mycket mer betydelsefull kampanj för hemmafilmutgivningen av The Iron Giant det till en bredare publik. Filmen trivdes med hemlans. Warner sålde också TV-rättigheterna till Cartoon Network och TNT, som spelade filmen ofta under semestern, vilket gjorde den till en början av familjevänlig hemunderhållning i början av 2000-talet. Det betraktas som en certifierad kultklassiker vid denna tidpunkt. Och med goda skäl: filmen är en skatt.
Till viss del beror det på att studion tog ett mer praktiskt tillvägagångssätt med Iron Giant för att undvika att replikera Camelots produktionsproblem. Enligt Bird följde Camelot Disney-formeln inte bara i handlingen utan också i produktionen.
“Disney-modellen är en slags mikrohanterad sak, där varje enskilt beslut kombineras av ett stort antal människor,” berättade Bird till Animation World Magazine. ”Det fungerar mycket bra för Disney, men jag tror inte att det fungerade särskilt bra för Warner Bros. De hade mer ledning än de hade konstnärer nästan under Quest for Camelot. Det var en orolig produktion. ”
Järnjätten kämpade med sin mindre budget och produktionstid, men Bird utnyttjade den kreativa friheten. ”Vi såg definitivt noggrant till,” sa han. ”Men när vi levererade var de bra nog att hålla sig borta och låt oss göra filmen. Det var en av de mest underbara sakerna med den här filmen. De låter oss verkligen klara det. Den här filmen gjordes av detta animationsteam. Det var inte en kommitté sak alls. Vi gjorde det. Jag tror inte att någon annan studio kan säga det till den nivå vi kan. ”
Produktionen saknade inte helt ledningsinmatning. I den JoBlo-intervjun påminner Bird om några högre uppgifter som föreslår att han lägger till en hund och “rapmusik.” Men i slutändan var ledningen “väldigt cool” när han tvingade kraft till sina val.
En stor fråga som studion tog upp, men brydde sig inte nog att slåss för? Järnjättens ursprung. Filmen avslöjar aldrig var roboten kom ifrån, vilket skulle ha distraherat berättelsen från det emotionella bandet mellan Hogarth och jätten. I slutet av dagen spelar det ingen roll om jätten var en främmande eller en rysk uppfinning. Det enda som är viktigt är att han skiljer sig från vad de vet, och det räcker för att få den amerikanska regeringen att känna sig hotad, särskilt under en särskilt paranoid era.
Bild: Warner Animation
Iron Jiant målar en annan bild av 1950-talet än de flesta nostalgiska filmer under det senaste decenniet, som Back to the Future, American Graffiti eller Grease. I stället för en rosig syn, tar den ett dekonstruktivt tillvägagångssätt och skymmer sig aldrig bort från rädslan för den andra som gick ut under det kalla krigets era. Invånarna i Hogarths hemstad Rockwell, Maine bedömer allt de anser som icke-konformistiska, från den vandrande fiskaren som först upptäcker jätten till Dean, en beatnikkonstnär som gör moderna konstskulpturer i den lokala skräpgården. Kent Mansley, en paranoid regeringsagent som kommer till Rockwell och söker roboten, kämpar om att hålla Amerika säkert, men han är aldrig avbildad som den goda killen. Filmen visar farorna med hans nationalistiska tankesätt, oavsett om det finns i den dagliga interaktionen i småstadsliv eller i toppen av USA: s militär. Hotet i järnjätten kommer inte från historiens fantastiska, eventuellt till och med främmande element – det har sitt ursprung i verkliga mänskliga attityder.
Det kalla krigets paranoia driver handlingen med, men anledningen till att så många människor rapporterar att filmen får dem att gråta är på grund av förhållandet mellan Hogarth och hans namnlösa jättrobotvän. Deras vänskap är inte bara ytnivå, det går in i de existentiella teman som gör filmen särskilt gripande. Även om Hogarth är ett barn, tar han positionen som lärare och förklarar begrepp mänsklighet, död och själar för jätten, som långsamt börjar förstå sig själv bättre. Deras konversationer hjälper inte bara jätten att lära sig mer om världen, de hjälper Hogarth – och publiken som tittar hemma – analysera dessa svåra begrepp till något förklarbart.
Iron Jiant talar i begränsade ord och fraser. Hans barnsliga inställning till världen, tillsammans med Vin Diesels hjärtliga vokalprestanda, skapar en särskilt förtjusande karaktär. Historien om pojke-möter varelse – vare sig det är hund, främmande eller jättebobot – är inte ny, men Järnjätten väver sömlöst tyst karaktärsmoment, som Hogarth som visar jätten sina serietidningar, till de större övergripande teman för existensialism och pacifism.
Och filmen låter sina mysterier stå, utan förklaring eller någon större installation för en uppföljare. Filmens skurkar är förankrade i riktiga amerikanska sociala frågor, och karaktärerna – från Hogarths hårt arbetande ensamstående mamma till utomstående konstnär Dean – känner sig utmattade, inte som överdrivna karikaturer. Trots att The Iron Giant handlar om en gigantisk robot kommer kraften från sina tystare stunder och sin känslomässiga resa.
I slutet av filmen kämpar Iron Giant mot sin egen programmering och väljer att rädda Hogarth och hans stad. Jättens kapacitet för förstörelse visas tidigare i filmen – hans attackprogrammering utlöses av synen av en leksakpistol, sedan i större skala av arméns vapen – men i slutändan kämpar han mot vad han var designad att göra. Även om Hogarth har gjort honom bekant med dödsbegreppet, har han också internaliserat meddelandet att själar inte dör. När det sista tår-ryckande ögonblicket kommer runt är det katartiskt. Vi vet aldrig var han kom ifrån eller vad han byggdes för, men det spelar ingen roll. Vad gör är hur järnjätten blir vad han väljer att vara.
Bild: Warner Animation
The Iron Giant finns på HBO Max och finns att hyra eller köpa på Amazon Prime.
Dessa påverkar inte redaktionellt innehåll, även om Pro Spelare kan tjäna provisioner för produkter som köps via affiliate-länkar. För mer information, se vår etikpolicy.