Författaren-regissören om avsikter och hur tittarna tolkar dem
Amy Seimetzs nya film She Dies Tomorrow är en upprivande upplevelse. Någonstans mellan en skräckfilm och en experimentell film följer den en kvinna som heter Amy (Kate Lyn Sheil) som plötsligt blir helt övertygad om att hon kommer att dö inom 24 timmar. När hon delar denna övertygelse med sin bästa vän Jane (Jane Adams), startar hon en kedjereaktion med spridning av rädsla och ångest, med ett växande moln av människor som möter sin egen dödlighet. Det är en spännande film, men den lämpar sig inte för enkla svar eller analys.
Seimetz är en skådespelare som har varit på länge, känd för projekt inklusive Stranger Things, Alien: Covenant och The Killing. Hon är också författare-regissör för filmen Sun Don’t Shine, och medskapare och producent av Starz-serien The Girl Friend Experience. Men hon har aldrig skrivit och regisserat något riktigt som She Dies Tomorrow. Så ProSpelare pratade med henne om vad hon tänkte för filmen, hur den kanaliserar sin egen ångest och hur tittarna har tolkat den.
Denna intervju har redigerats för tydlighet och tydlighet.
Upplever någon den här filmen som du vill att de ska uppleva den? Så många av recensionerna försöker låsa upp det som ett pussel. Har du haft något svar som antingen är en tolkning på plats eller bara tar in filmen som du tänkte?
Amy Seimetz: Jag måste vara ganska ärlig, jag har inte riktigt läst så mycket. Jag har försökt hålla mig på internet. Men jag tycker att det mest fascinerande, min favoritdel, är att det känns som att folk tar in det personligen. Det är allt jag vill ha, är om du bara kan gå med filmen och sedan ställa dina egna frågor. Jag säger inte någon vad han ska tänka på, jag ger inga svar. Det jag tänkte var: ”Kom med detta. Kom med på denna resa med mig, för det är så jag upplever livet. Gör sedan med det vad du vill. ” Det är avsett att underhålla, men det är också avsett att hålla sig till människor och få dem att tänka på sina egna upplevelser med döden och sina egna upplevelser med isolering och ångest. Jag tror, från det lilla jag har läst, att folk skriver om det på ett mycket personligt sätt, vilket är spännande.
Det var det som slog mig åt det – människor svarar på det från sin egen erfarenhet, men de är också så definitiva om det. Filmen känns som om den var utformad för att vara öppen för tolkning, men då kommer en kritiker att säga något som “Slutet är inte katartiskt eftersom det specifikt handlar om hur behandling av psykisk sjukdom är en pågående process. Det är vad den här filmen betyder. ” Hur landar den typen av avgörande uttalande med dig?
Jag tror att de kan vara korrekta, men det finns också så många andra saker det handlar om. Det är därför jag tog en så minimalistisk inställning till det. Det uttalandet du nämnde gäller, men filmen gäller också idén om döden i allmänhet. Som att det är okej att säga att du inte är OK. Det är OK att vara rädd. Det är OK att inte vara OK hela tiden. Och det är sant i alla situationer. Mot slutet, där Amy säger: “Jag är OK” och försöker att vara OK, det kom från mitt verkliga liv. Jag var ensam och hanterade något, och jag insåg att jag sa högt till mig själv, “Du har det bra, du har det bra.” Och jag insåg: ”Nej, du är uppenbarligen inte okej, för om du skulle, skulle du inte säga det högt, repetitivt. Och det är OK att du inte är OK. ” Och plötsligt lindrade det trycket att vara OK med allt. Det första steget är att prata på språkets återhämtning, acceptans och erkänna att det finns ett problem. Och det gäller så många saker, för alla former av förnekelse.
Amy Seimetz bakom kulisserna på uppsättningen av She Dies TomorrowFoto: Neon
Är det viktigt att människor kommer bort från den här filmen efter att ha lärt sig något, eller att de har fått nya frågor för sig själv om ångest eller dödlighet? Vill du lugna människor, eller lära dem, eller bara få dem att tänka?
Jag skulle vara den första att säga att jag inte vill lära någon någonting, för jag skulle vara den första att erkänna att jag inte vet någonting. [Laughs] Om jag ville undervisa skulle jag vara lärare. Men jag skulle bara vara en fruktansvärd lärare, för jag skulle erkänna för mina elever varje dag – jag har faktiskt lärt mig college, bara en klass eller något – och det första jag säger är: ”Jag vet ingenting, så du kan lika gärna ta det du gillar från det här och kasta bort resten om du inte gillar det. För jag vet inte mer än dig. ” Jag har lyssnat på lärare där jag var “Det är inte meningsfullt.” Du tar vad du kan från alla lärare.
Och så är den andra saken, hur jag ville att filmen skulle fungera var på denna känslomässiga och sensoriska nivå. Jag ville att filmen skulle känna sig som en upplevelse och inte nödvändigtvis närma sig lösa ändar. Men om du verkligen låter filmen ta dig, går du igenom det här området av full ångest och skratt och humor, galghumor för vuxna. De vardagliga stunderna är till och med viktiga. För mig, att hantera min egen personliga ångest – allas ångest är annorlunda, men för mig blir det riktigt galen och vild, och det känns som om jag måste lösa något omedelbart. Då skrattar jag plötsligt för mig själv och hur övergiven jag var åt det. Sedan är det tillbaka till fullständig tystnad. Och då kretsar cykeln kanske tillbaka. Men jag har alltid bara kvar med mig själv. Så detta var ett sätt att ge någon annan upplevelsen av det jag har upplevt.
James Benning, som är med i filmen, jag har arbetat med honom tidigare, han gör dessa vackra experimentella filmer. Och han och Thom Andersen, som undervisar på CalArts, säger båda ju mer personlig du blir, desto mer universell blir din konst. Jag använder horror tropes i filmen, men även om du använder tropes, så länge din film kliar sig dit du ärligt och försöker uttrycka något, kommer den att nå människor. Kanske finns det inget sätt att göra detta på en helt universell nivå, men ju mer personlig och ärlig du kan vara om upplevelsen, desto fler kommer att relatera till den.
Den skräckvinkeln stöter på – detta känns som en korsning mellan den ursprungliga Suspiria och It Follows. Såg du på några specifika skräckfilmer när du utvecklade ditt visuella språk här?
Ja! Jag älskar båda filmerna och jag älskar David Robert Mitchell. Jag har känt honom länge, för han åkte också till Florida State. Och jag var i Myth of the American Sleepover, hans första film. Jag älskar It Follows och blev verkligen slagen av filmen, hur enkel och lekfull den idén var. Och jag har arbetat så mycket i skräck, som skådespelerska. Jag är så nedsänkt i det och så medveten om mekanismerna som spelas. Jag tittade på så många skräckfilmer, även som barn, och det som filmskapare, på teknisk nivå, att jag älskar så mycket, att jag verkligen ville använda om skräck, är ljuddesignen och användningen av musik. Om du tänker på skräckfilmer, utan ljuddesign, utan musik, skulle de inte vara skrämmande. Det skulle bara vara “skott, klippt till ett nytt skott.” Användningen av ljud och musik är så effektiv i upplevelsen.
Det blir oöverskådligt från själva genren. Och du kan inte komma undan med den ljuddesignen i en rak genre. Jag säger det, men då vill jag också notera att Shirley bara gjorde det. Den filmen kunde ha varit en rak genrer men med Josephine [Decker]Ljuddesign och hennes användning av musik, det är otroligt genaböjande. Det är så min kärlek är för skräckljuddesign. Jag älskar också troperna i genrfilmer, där det är en verklig konversation eller ett avtal med publiken. De förstår skräckspråket och spänningens ratcheting-up. Jag använde dessa tropes, men sedan – jag älskar att subvertera dem med humor, eller undergräva spänningar med, du vet, “Nu kommer vi bara att skära till detta mycket vardagliga ögonblick.”
Foto: Neon
Dessa plötsliga klipp ur scener eller konversationer ger filmen en riktigt staccato-rytm som ökar känslan av oro. Planerades det i manusstadiet eller utvecklades det i redigering?
Det var lite av en utvecklingsprocess till en början. [Cinematographer] Jay Keitel och jag, och [She Dies Tomorrow actress] Kate Lyn Sheil, utforskade dessa idéer jag hade och organiskt hittade vad det var på den första dagen av fotograferingen. Sedan redigerade jag bilderna, och jag insåg att det som verkligen var effektivt gick från extremt subjektiva, mycket nära bilder på Kate Lyn – du är med henne och hennes erfarenheter, och det är väldigt sensuellt, men då hoppar du ut till ett annat perspektiv , och du inser hur galen hon ser ut. Som jag tyckte otroligt underhållande, för jag gör det med mig själv, med min egen avslappning av om jag är ledsen eller orolig eller vad som helst. Min hjärna gör detta – jag drar mig ur det genom att inse hur galen jag verkar, eller hur rolig situationen är, om jag abstraherar mig från det.
Rytmen från den första fotograferingsdagen var: ”Okej, det här är det språk vi arbetar med, och det är så filmen kommer att röra sig, inte bara visuellt, med skottdesignen, utan också med ljudet och föreställningar. ” Att höja spänningen, låta den träffa en sådan tonhöjd och sedan bara släppa ut som omedelbart. För jag tycker att det är verkligen oroande. Eftersom jag vill att tittaren ska ha en upplevelse. Och eftersom det tyvärr handlar om ångest – sorry, killar! – Jag ville att det skulle vara oroande på många nivåer. [Laughs]
Att lägga ut den här filmen just nu innebär att människor oundvikligen tolkar den i termer av pandemin, när det gäller överföring av sjukdomar, i termer av fritt flytande ångest och rädsla och depression i kulturen. Hur tycker du om att lägga ut detta just nu, att veta att så många människor kommer att se det genom en tidsspecifik lins, när om det kom ut som för ett år sedan, eller kanske två år från nu, skulle folk se det som ett helt annat konstverk?
Förhoppningsvis står det tidens test, och då kan människor åter besöka det och förstå att jag inte förutspådde att detta skulle hända. [Laughs] Det är väldigt intressant, men jag har verkligen inget val om att människor upplever det på detta sätt. Just nu jag slutade filmen skulle jag gå till SXSW. Detta var de tidiga faserna av pandemin som nådde Amerika och snabbt utvecklades. Sedan avbröts SXSW, det är månader senare, vi är i en helt annan relation till pandemin, och det finns ingen ny normal. Det går inte tillbaka till det normala.
Förhoppningsvis kommer människor att engagera sig i det, och det kommer att vara katartiskt på något sätt. Men när du skapar filmer har du ingen aning om hur människor kommer att ta emot dem ändå. Det är som att skicka ett barn till college: ”Jag lägger så mycket arbete i dig, och förhoppningsvis går du av och du gör det bra. Om du inte gör det, måste jag också acceptera det eftersom du är en vuxen nu och jag kan inte kontrollera varje konversation du har med varje människa. ” Så du gör vad du kan när du bygger det, du gör vad du kan för att kommunicera alla idéer du försöker få in det. Och då måste du skicka det vid någon tidpunkt. Och det är förhållandet till varje film. Detta är väldigt surrealistiskt för mig – jag önskar att jag hade svar på COVID i den här filmen, för vi skulle alla ha en bättre position.
På tal om acceptans, det känns som filmens ultimata budskap, att fred kommer när människor accepterar sin ångest och erkänner att den är verklig och smärtsam, istället för att förneka den. Är det i slutändan ett av filmens viktigaste meddelanden?
Ja, jag menar, det är det enda sättet – alla gånger jag har gått igenom något riktigt svårt, kommer jag alltid till en plats där jag är, “Det är ingenting. Det är det bara. ” Det är ibland hemskt, men det är vissa saker du går igenom där du måste säga: ”Ja, det här är hemskt. Men det finns också så många andra känslor, så många saker i livet. ” För mig är det det jag försökte komma till med att utforska den här filmen. Du kan inte kontrollera ångest. Du kan inte fixa det och du kan inte kontrollera det. Så många människor frågar mig, “Var det katartiskt för dig att göra den här filmen?” Och jag är, “Visst, på någon nivå, men det är inte som jag skapade filmen och nu löste jag döden och jag är odödlig. Jag måste fortfarande leva med min egen existensiella rädsla. Det är bara så, vet du? ”