Den här intervjun med Animal Kingdom-regissören Thomas Cailley publicerades ursprungligen i samband med filmens biopremiär i USA. Den har uppdaterats och återpublicerats för filmens Hulu-debut.
I den franska sci-fi-filmen Djurriket förändras världen och människorna förändras med den. En mutation börjar förvandla människor till djurhybrider, vilket skapar en mängd olika fågel-människor, insekter-människor, däggdjur-människor och många andra nya typer av varelser. Fångad mitt i denna omvälvning finns en splittrad familj – mamman, mitt i mutationen, har försvunnit från en sjukvårdstransport, vilket gör att fadern och sonen desperat letar efter henne. Den fantastiska filmen är nu tillgänglig för digital uthyrning och streaming på Hulu, efter att den ursprungligen visades på Cannes och andra filmfestivaler 2023.
Varelsedesignen i Djurriket är ett perfekt exempel på hur praktiska och digitala effekter kan fungera i harmoni för att förstärka varandra och bygga en effekt som är ouppnåelig av någon ensam. Regissören Thomas Cailley och hans team använde en blandning av olika praktiska effekter (kostymer, smink, animatronik) och digitala effekter för att skapa några av de mest suggestiva och originella designerna på flera år, som en fjällande pangolin-människa eller en kameleont-människa som kan blandas in med miljön.
Men kärnan i filmen är det rörande förhållandet mellan far och son. Romain Duris (Aramis i Frankrikes senaste storfilmadaptation av De tre musketörerna) är otroligt gripande i sin skildring av fadern, François, som tar fram sin rädsla för att förlora sin älskade familj, och den djupa omsorg han har för dem oavsett omständigheterna. Paul Kirchers framträdande som sin son, Émile, är transcendent, särskilt när tonåringen börjar gå igenom några oväntade förändringar, utvecklar varje del av hans fysiska prestation samtidigt som han behåller den humöriga själen hos en orolig tonåring. Tillsammans ger de en komplex relation till livet i en hektisk värld.
Fascinerande och oändligt diskuterad, särskilt i frågorna den ställer om mänskligheten och hur vi behandlar de som skiljer sig från oss, skildrar Djurriket sin föränderliga värld med stor omsorg. Närvaron av dessa hybridmänniskor orsakar olika reaktioner från människorna i filmen – medkänsla, rädsla, ilska, avsky. Vissa människor är djupt bekymrade över hur hybridfolket behandlas och förespråkar samexisterande, medan andra bildar miliser och förespråkar våld. Det hela resulterar i en mycket grundad skildring av hur vårt samhälle reagerar på människor som är annorlunda, i alla dess nyanser.
Bild: Magnet Releasing
Filmens centrala utgångspunkt är en som inbjuder till många olika allegoriska läsningar: Handlar det om ras? Handlar det om funktionshinder? Handlar det om kön? Handlar det om främlingsfientlighet? Det stora intervallet av tolkningar är något som Cailley sa till ProSpelare att han uppskattar om publikens reaktioner hittills, men regissören insisterar på att det inte finns något rätt svar. Allt kombineras för en av årets mest spännande filmer, och ett av de bästa originalverken av science fiction i nyare minne. Inför släppet pratade ProSpelare med Cailley om filmens komplicerade moral, underbara effekter och hans favoritdesigner med varelser med hjälp av en översättare, Nicholas Elliot.
ProSpelare: Vad var uppkomsten till idén med projektet, och hur engagerade du dig först?
Thomas Cailley: Ursprungligen ville jag berätta en far-son-historia, och jag ville att det skulle finnas ett fantasielement, något som skulle flytta berättelsen, ta den någon annanstans. Och av en slump träffade jag en ung kvinna (Pauline Munier) som var en manusförfattare som fortfarande gick i skolan, faktiskt för att skriva manus på den tiden. Och hon hade skrivit en berättelse om hybridisering mellan djur och människor, och jag tyckte att den var väldigt intressant. Och så började vi arbeta på ett projekt tillsammans. Detta var 2019, för fyra år sedan.
Hur var ditt förhållande till sci-fi-genren innan du gjorde den här filmen?
Jo, min första film (Love at First Fight) glider successivt mot något slags sci-fi eller förväntanselement. Det är historien om en ung kvinna som är övertygad, som är övertygad om att världen kommer att gå under, och i slutet av filmen händer det faktiskt. Och det är något som vi var tvungna att visa, vi var tvungna att iscensätta det. Från början hade det inte varit planerat när jag började skriva min första film. Och genom att göra det upptäckte jag nöjet att uppfinna den här typen av bilder. Och så det är något jag ville återkomma till med en annan film, att återvända till den här friheten som man får i att arbeta med genre som gör att man kan gå djupare in i tron på karaktärer.
Bild: Magnet Releasing
Vad var din filosofi och inställning till att designa varelserna i filmen?
Konceptet med mutationen är att den börjar från människokroppen att röra sig mot något annat, mot en annan gräns, en ny horisont, och vi försökte hålla den realistisk och organisk. I de flesta filmer som handlar om mutation finns det något magiskt eller accelererat med mutationen – du transformerar för att det är fullmåne utanför, eller så tar du på dig en kostym och sedan är du halvt människa, halvt djur. Här ville vi ha något mycket mer progressivt som på ett sätt skulle vara som en sjukdom, och det var det svåraste att göra.
De första mötena som vi hade för att förbereda filmen, det som var riktigt skrämmande är att det verkade som att vi skulle behöva göra 100 % CGI, 100 % digitala effekter, och det ville jag absolut inte. Så vad vi försökte göra är att kombinera alla möjliga typer av effekter. I de flesta scener har du att göra med riktiga skådespelare, det är en riktig kropp framför kameran hela tiden. Och vi jobbade väldigt hårt på att göra saker med smink, proteser, animatronik, dvs robotar. Och när vi verkligen inte kunde göra det, då använde vi CGI. Så det finns en hybridisering av teknik som du ser i varje inspelning av filmen. Cocktailen som vi använder är alltid annorlunda. Och det som verkligen är intressant med denna cocktail är en, den är mer verklig, det finns ingen grön skärm, ingen rörelsefångst; och för det andra, eftersom mixen alltid är annorlunda, av teknologier, har åskådarens öga aldrig en chans att vänja sig vid vad han eller hon ser och att förstå vad som händer, tekniskt sett.
Bara för att avsluta det, eftersom du frågade om filosofin, började jag arbeta med en serieförfattare. Och så jobbade jag med människor som kallas karaktärsdesigners. När jag började skriva redan i början var tanken att mutationen var från människor till djur som vi ser dem i naturen, men ju mer jag gick framåt med inspelningen, och när jag träffade skådespelarna som ska spela dessa karaktärer, fann jag att det skulle vara mycket mer intressant att låta varje karaktär uppfinna karaktären som han eller hon skulle förkroppsliga. Och så gick vi mot dessa atypiska originalformer som faktiskt inte är precis vad vi hittar i naturen. Och så det är inte så mycket en återgång till naturen som en upptäckt av en ny mänsklighet, av en ny gräns i evolutionen.
Det är väldigt intressant, speciellt förhållandet mellan hybridisering av tekniker och hybridisering av arter i filmen. Finns det någon av varelsedesignerna som du är särskilt förtjust i? För mig är filmens kanske mest slående tagning den med personen som har reptilskinn och man ser deras skulderblad röra sig när de slingrar sig genom gräset.
Intressant att du nämnde reptilen för det är också en av mina favoritvarelser. Och det är en som är ganska representativ för vårt arbete. Du vet, det här är en karaktär som du aldrig ser i sin helhet. Men vi har det där skottet av hans rygg. Och idén till hans rygg kom från en samtida dansare som jag upptäckte som har mycket intressanta ben eller skelettstruktur och muskler. Och när den här dansaren går platt på golvet reser sig hans skulderblad bokstavligen upp och skapar en mycket intressant lättnad på ryggen, vilket är störande eftersom det är mänskligt, men det är också något annat. Så i fallet med den här skådespelaren som spelade reptilen, satte vi bokstavligen ett nytt skinn på hans rygg och vi bad honom att gå framåt som en reptil. Och det du ser av hans rygg och hans skelettstruktur är verkligen delvis människa och delvis djur. Jag gillade också verkligen bläckfiskkvinnan i snabbköpet, som för övrigt också är dansare.
Bild: Magnet Releasing
När det gäller att arbeta med skådespelarna för att designa varelserna, fanns det någon “Eureka!” stunder som kändes som: Ja, den här personen förstod verkligen vad jag ville här?
Det fanns ett ögonblick i filmen. Det är ögonblicket då François, Emils pappa, slåss mot en varelse bakom restaurangen. Det är människan-valrossvarelsen. Och den kampen avbryts av François kollega. Hon slår varelsen med en kanotpaddel. Och i det ögonblicket utbyter varelsen och kvinnan blickar. Och det var verkligen ett så vackert ögonblick, tänkte jag. Skådespelaren inne i den kostymen kunde inte se alls, på grund av kostymen. Men han hade förstått något om den fysiska rörelsen som var nödvändig och tiden stannade verkligen. Det finns en kombination i det ögonblicket som är väldigt poetisk av skådespelerskans förståelse av scenen, den blinda skådespelarens förståelse av scenen, och av vilka tre eller fyra personer som kontrollerar animatroniken, för det finns typ 1 000 motorer i huvudet på den varelsen, vad de gör, och det gör att den här kampscenen förvandlas till ett möte mellan två varelser. Och så det ögonblicket blåste verkligen bort mig eftersom jag kände att ett helt team samlades och verkligen var i linje.
Det finns många teman i filmen som du kan läsa som allegori. Fanns det några samtida ämnen som du specifikt tänkte på?
Naturligtvis finns det ett mycket universellt ämne i filmen, som är förälder-barn-relationen och överföring eller förmedling av saker under två generationer. Det är filmens djupa ämne, vad det innebär att lämna något till någon: François, som ger en värld vidare till sin son, Emil. Och det är en fråga som är mycket meningsfull för mig, eftersom jag är en relativt nybliven pappa, och jag tycker att denna fråga om vad en förälder överför till sina barn är riktigt mystisk. Under hela processen med att göra den här filmen försökte vi mycket hårt för att inte begränsa metaforen. Jag tycker att det som är intressant med fantasy, när det fungerar, är att vem som helst kan tolka det hur de vill.
Så jag blev väldigt glad när vi började visa den här filmen för publiken för att se att många såg olika metaforer i filmen. Vissa människor talade till mig om metaforen om olikheter, hur vi accepterar olikheter. Några pratade med mig om migrantkrisen i Europa idag. Några pratade med mig om psykiatrin, situationen för psykiatrin, i Frankrike och Europa. En del talade om människor som är rasifierade, vilket är den franska termen för att ha en icke-centraliserad rasidentitet. Och andra pratade med mig om könsövergång. Jag tror att kraften med fantasy, när den fungerar, är att allt inte är löst. Du lämnar utrymme för åskådaren.
Djurriket strömmar på Hulu och är tillgängligt för digital uthyrning eller köp på Amazon, Vudu och liknande plattformar.